MANO

17 janvier, 2011

Papaito-MERCI

Classé sous Non classé — manoretro @ 0:30

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Papaito
De son vrai nom :

Mario Muñoz Salazar

Profil :

Mario Muñoz Salazar, également connu sous le nom de Papaito (5 décembre 1923, Buena Vista, Cuba – 4 juin 2000, New York City).
Chanteur cubain afro, percussionniste et compositeur d’une voix engageante poignante. a travaillé avec cha cha chá créateur Enrique Jorrín, d’autres. réalise des films au Mexique et rejoint Sonora Matancera, continuant en tant que membre dans les années 90 ; Cuba gauche pour 60 bonnes. Ridé sur Patato & Totico 67 sur Verve (réédité sur Mediterraneo 92 # par conguero Carlos « Patato » Valdes et le chanteur / percussionniste Eugenio Arango « Totico, » d’avant-garde de Mark Weinstein cubains racines 68 sur Musicor prod. par Al Santiago, Up de The Roots de Mongo Santamaria 72 sur l’Atlantique, El Castigador de Roberto Torres 73 sur Mericana, Patato respectés descarga estimé du prêt de Freddy 76 sur la LPV, Israel « Cachao » López / danzón définit Cachao y su Descarga 77 Vol. 1 76 et DosVol. 2 77 sur Salsoul.
Premier album solo de Papaíto fut Robert Torres presenta un amigo su : Papaíto 79, le premier des quatre LPs couronnés le SAR ; Papaíto 80 incl. mémorable version du cubain classique « Aprietala En El Rincon, » ces deux avec conjunto trompette-conduit parfois augmentée par le violon et flûte : Papaíto Rinde Homenaje A Abelardo Barroso 80 utilisé un charanga augmentée par tres, a rendu hommage au chanteur cubain Barroso # # 1905-1972 ; Il est considéré comme l’un de ses meilleurs. Commutation de retour à conjunto pour Papaíto 82, Para Mis Amigos 84. Faites SAR All Stars, enregistrés en direct en Club Ochentas, Album 2 81 et SAR All Stars Interpretan A Rafael Hernández 81 avec SAR All Stars. Il est également apparu avec divers SAR roster stars sur El Cañonazo de la SAR ! 84. Sessioned sur les enregistrements sur SAR et autres labels par Linda Leida, Henry Fiol, ex-Septeto Nacional chanteur Alfredo Valdés, son fils Alfredo Valdés Jr. et la chanteuse péruvienne / compositeur Melcochita.
Se sentant trahi par Torres, qui avait la plaie en bas SAR à son apogée et déplacé de la compagnie de New York à Miami, il a refusé d’enregistrer pendant près de 16 ans, à l’exception de fournir le chant à deux voies sur Valdésa Records Presenta Vol. 1: Salsa Sudada 90 # réédité sur Osagaji #. Chante plomb sur une piste de la Caimán All Stars’ Descarga Brava 2000 ! 99 comme un prélude à un retour majeur avec son propre solo album sur Caimán en 2000. Fait solo UK débuts 87, retourné novembre 93 comme membre de Sonora Matancera.
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LANGUE ANGLAIS
Mario Muñoz Salazar

Real Name:

Mario Muñoz Salazar

Profile:

Mario Muñoz Salazar also known as Papaito (5 December 1923, Buena Vista, Cuba – 4 June 2000, New York City).
Afro Cuban singer, percussionist and composer with engagingly poignant voice; worked with cha cha chá creator Enrique Jorrín, others; made films in Mexico and joined Sonora Matancera there, continuing as a member into the ’90s; left Cuba for good ’60. Sessioned on Patato & Totico ’67 on Verve (reissued on Mediterraneo ’92# by conguero Carlos « Patato » Valdes and vocalist/ percussionist Eugenio Arango « Totico, » Mark Weinstein’s avant-garde Cuban Roots ’68 on Musicor prod. by Al Santiago, Mongo Santamaría’s Up From The Roots ’72 on Atlantic, Roberto Torres’ El Castigador ’73 on Mericana, Patato’s respected Ready For Freddy ’76 on LPV, Israel « Cachao » López’s esteemed descarga/ danzón sets Cachao y su Descarga ’77 Vol. 1 ’76 and Dos, Vol. 2 ’77 on Salsoul.
Papaíto’s solo debut was Robert Torres presenta a su amigo: Papaíto ’79, the first of four hugely successful LPs on SAR; Papaíto ’80 incl. memorable version of Cuban classic « Aprietala En El Rincon, » both these with trumpet-led conjunto occasionally augmented by violin and flute: Papaíto Rinde Homenaje A Abelardo Barroso ’80 used a charanga augmented by tres, was tribute to Cuban vocalist Barroso #1905-1972#; it is regarded as one of his best. Switched back to conjunto for Papaíto ’82, Para Mis Amigos ’84. Made SAR All Stars Recorded Live In Club Ochentas, Album 2 ’81 and SAR All Stars Interpretan A Rafael Hernández ’81 with SAR All Stars; he also appeared with various SAR roster stars on El Cañonazo de la SAR! ’84. Sessioned on recordings on SAR and other labels by Linda Leida, Henry Fiol, ex-Septeto Nacional singer Alfredo Valdés, his son Alfredo Valdés Jr. and Peruvian singer/ composer Melcochita.
Feeling betrayed by Torres, who had wound-down SAR at its peak and relocated the company from NYC to Miami, he refused to record for nearly 16 years, with the exception of providing lead vocals to two tracks on Valdésa Records Presenta Vol. 1: Salsa Sudada ’90 #reissued on Osagaji#. Sang lead on one track of the Caimán All Stars’ Descarga Brava 2000! ’99 as a prelude to making a major comeback with his own solo album on Caimán in 2000. Made solo UK debut ’87, returned Nov. ’93 as a member of Sonora Matancera.
SOURCE : ARTICLE
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http://www.discogs.com/artist/Mario+Mu%C3%B1oz+Salazar
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16 janvier, 2011

The Mighty Shadow-MERCI

Classé sous Non classé — manoretro @ 6:26

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The Mighty Shadow

4 Octobre 1941 (69 ans)
Origine -Belmont, Trinidad et Tobago

Genres -Calypso, Soca

Professions -Musicien, chanteur, producteur, auteur-chanson
Instruments -Chant

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The Mighty Shadow
Winston Bailey (né le 4 octobre 1941), mieux connu sous son nom de scène de The Shadow Mighty ou ombre, est une calypsonian de Trinidad et Tobago. Bailey est né à Belmont, une banlieue Port of Spain à Trinidad, mais a grandi dans Les Coteaux, Tobago avec ses grands-parents. Il commence à chanter à un très jeune âge et il voulait être une chanteuse, bien que son grand-père lui a dit qu’il doit être un avocat.

Il remporte la route mars en 1974 et en 2001 avec « Bassman » et « Stranger » respectivement. Il a remporté le monarque Calypso en 2000 avec « What ‘s Wrong With Me » et « Scratch Meh dos. » Ombre est aussi connu pour sa danse unique dans lequel il a sauté au rythme de sa musique en « style skip-corde » avec les deux pieds dans les airs en même temps. Il a remporté la Trinité et Tobago fredonner Bird médaille (argent) en 2003.

Il fut le premier à remporter le Monarque de Soca International et les compétitions de Trinidad Road mars simultanément, un exploit qu’il a accompli en 2001 avec sa chanson « Stranger ».

[Modifier] Hit chansons

Hit songs

He has had hits beginning in 1974 such as:
I Come Out to Play
King From Hell
What is Life
Crazy Computer
Jump Judges Jump
Children Ting
Dingolay
Poverty is Hell
Tension
Pay de Devil
Snake in the Balisier

He has also done jingles for commercials such as one for the Inland Revenue office of Trinidad and Tobago. Today he is still active but has slowed down.
SOURCE : article de WIKIPEDIA
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LANGUE ANGLAIS

Mighty Shadow
Winston Bailey (born October 4, 1941), better known by his stage name The Mighty Shadow or Shadow, is a calypsonian from Trinidad and Tobago. Bailey was born in Belmont, a suburb of Port of Spain in Trinidad, but grew up in Les Coteaux, Tobago with his grandparents. He began to sing at a very early age and he wanted to be a singer although his grandfather told him he must be a lawyer.

He won the Road March in 1974 and 2001 with « Bassman » and « Stranger » respectively. He won the Calypso Monarch in 2000 with « What’s Wrong With Me » and « Scratch Meh Back. » Shadow is also known for his unique dance in which he jumped to the tempo of his music in « skip-rope style » with both feet in the air at the same time. He won the Trinidad & Tobago Humming Bird Medal (Silver) in 2003.

He was the first to win both the International Soca Monarch and the Trinidad Road March competitions simultaneously, a feat he accomplished in 2001 with his song « Stranger ».
LIRE LA SUITE
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http://en.wikipedia.org/wiki/Mighty_Shadow
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15 janvier, 2011

Peter TOSH – MERCI

Classé sous Non classé — manoretro @ 6:03

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Peter TOSH

Nom de naissance -Winston Hubert McIntosh

Également connu sous le nom -Stepping Razor

Né Le 19 Octobre 1944

Origine – Westmoreland, Jamaïque.

Meurt Le 11 Septembre 1987 (42 ans)

Genres Reggae, ska, rocksteady, R ‘ ne b

Professions -Chanteur, musicien, révolutionnaire

Instruments- Piano, guitar, organ, vocals, keyboard

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Peter Tosh, né Winston Hubert McIntosh (19 octobre [1] 1944 – 11 septembre 1987), était un chanteur de reggae, qui était un membre majeur de la bande musicale The Wailers (subpolaires), et qui avait par la suite une carrière solo tout en étant un promoteur de Rastafari.

Peter Tosh est né à Grange Hill, en Jamaïque, avec un père et une mère trop jeune pour s’occuper de lui correctement. Il fut élevé par sa tante. Il a commencé à chanter et à apprendre la guitare à un âge précoce, inspiré par les radios américaines. Après une carrière remarquable avec The Wailers et musicien solo, il a été assassiné à son domicile lors d’un vol.
Avec The Wailers

Durant les années 1960, Tosh a rencontré Bob Marley et Bunny Wailer, qui savait que son professeur de chant, Joe Higgs. Tout en développant leur musique, le trio serait souvent jouer ensemble au coin des rues dans un bidonville jamaïcain connu comme Trenchtown. Joe Higgs était l’homme qui a enseigné le trio d’harmoniser. En 1962, il a aidé à [citation nécessaire] organiser le groupe The Wailers gémissements, avec Junior Braithwaite et choristes Beverley Kelso et Cherry Smith. The Wailers Wailing a connu un succès majeur ska avec leur premier single, « Laisser mijoter Down » et a enregistré plusieurs singles plus de succès avant Braithwaite, Kelso et Smith quittent le groupe au cours de la fin 1965. Marley a passé beaucoup de 1966 à Delaware dans les États-Unis d’Amérique avec sa mère, Cedella (Malcolm) Marley-Booker et pendant une brève période travaillait pour une usine de compagnie Chrysler à proximité. Il retourne ensuite à la Jamaïque en 1967 au début avec un regain d’intérêt pour la musique et une nouvelle spiritualité. McIntosh et Bunny étaient déjà rastafaris Marley retour des États-Unis, et les trois sont très impliqués dans la foi Rastafari. Peu après, ils rebaptisent le groupe musical The Wailers. Tosh expliquerait plus tard qu’ils avaient choisi les nom Wailers parce que « wail » signifie pour pleurer ou à, comme il le disait, « .. .express ones sentiments vocalement ».

Rejetant la danse rythmée de ska, le groupe a ralenti leur musique et leurs paroles imprégné des messages politiques et sociales. The Wailers composée de plusieurs chansons pour le chanteur américain Johnny Nash avant de faire équipe avec le producteur Lee Perry pour enregistrer certains des premiers chansons reggae bien connus, dont « Soul Rebel », « Duppy Conqueror » et « Small Axe ». Le bassiste Aston « Family Man » Barrett et son frère, batteur Carlton Barrett a rejoint le groupe au cours de 1970. Le groupe signe un contrat avec la compagnie de Chris Blackwell et Island Records et sort leur premier album, attraper un incendie, en 1973, il suit avec Burnine de la même année.

En 1973, Tosh a été conduite Accueil avec sa petite amie Evonne lorsque sa voiture a été touchée par une autre voiture conduite du mauvais côté de la route. L’accident a tué Evonne et le crâne du fracturé Tosh sévèrement. Il a survécu, mais est devenu plus difficile à traiter. Après la fin de leur emploi avec the Wailers Island Records président Chris Blackwell a refusé de délivrer son album solo en 1974, Tosh et Bunny Wailer, citant le traitement injuste qu’ils ont reçu de Blackwell, dont Tosh souvent parlé avec une pièce désobligeante sur le nom de famille de Blackwell, « Whiteworst ».

[modifier] Carrière solo

Tosh commence à enregistrer en utilisant le nom de Peter Tosh et sort son premier album solo, légaliser il, au cours de 1976 avec la compagnie de CBS Records. La chanson-titre bientôt devenue populaire parmi les parrains de la légalisation de la marijuana, les amateurs de musique reggae et les rastafaris partout dans le monde et a été un favori lors de concerts de Tosh.[citation nécessaire] Comme Marley prêcha son message « One Love », Tosh a critiqué l’hypocrite « shitstem ». Il sort l’album des droits égaux au cours de 1977.

Tosh a organisé un backing band, Word, de sons et de puissance, qui étaient de l’accompagner en tournée pour les prochaines années, et dont beaucoup étaient les caractéristiques de ses albums de cette période. En 1978, Rolling Stones Records a contracté avec Tosh et médecin de brousse est sorti, introduisant Tosh à un public plus large. Le single extrait de l’album, une reprise de la chanson The Temptations Don’t Look Back, interprété comme un duo avec le chanteur de Rolling Stones Mick Jagger, faites Tosh un des artistes plus connus de reggae.[citation nécessaire] Peter Tosh, le guitariste originale pour The Wailers, est considéré comme l’un des initiateurs de ce style de guitare de reggae saccadée et syncopés.[référence

Au cours de l'One Love Peace Concert gratuit de 1978, Tosh allumé un spliff de marijuana et donné des conférences sur la légalisation de cannabis, vertement traitant des dignitaires Michael Manley et Edward Seaga pour leur incapacité à adopter une telle loi. Quelques mois plus tard, il a été appréhendé par la police comme il gauche Skateland dance hall à Kingston et a été sauvagement battu en garde.

Mystic Man (1979) et voulait Dread et Alive (1981) suivie. Sorti sur le label des Rolling Stones, Tosh a tenté d'acquérir certains succès tout en gardant ses opinions militantes, mais a été largement infructueuse, surtout par rapport aux réalisations de Marley. La même année, Tosh apparaît dans vidéo Rolling Stones, en attente sur un ami.

Après la sortie de l'album de 1983 Mama Africa, Tosh est allé en exil, obtenir des conseils spirituels des hommes de la médecine traditionnelles en Afrique et d'essayer de se libérer de l'enregistrement des accords qui distribuait ses records en Afrique du Sud.[citation nécessaire] Tosh avait été à l’encontre de plusieurs années avec son label, EMI, sur un manque de promotion pour sa musique.[2]

Tosh a également participé avec l’opposition internationale à l’apartheid sud-africain par apparaissant lors de concerts Anti-Apartheid et représentant son opinion avec les paroles de plusieurs chansons comme « Apartheid » # 1977, réenregistré # 1987, « Droits égaux » # # 1977, « Lutter contre le » # 1979 # et « Pas Gonna Give It Up » # 1983 #. Durant 1991 Stepping Razor – Red X est sorti, un film – documentaire réalisé par Nicholas Campbell, produite par Wayne Jobson et fondée sur une série d’enregistrements de spoken word de Tosh lui-même, qui relate l’histoire de la vie de l’artiste, la musique et la mort prématurée.

Religion

Avec Bob Marley et Bunny Wailer durant les années 1960, Peter Tosh est devenu un adepte de Rastafari.[3] Peter Tosh, comme Marley, devint par la suite un membre de l’Église éthiopienne orthodoxe.

[modifier] Monocycle

À un certain moment après sa fin avec the Wailers, Tosh a développé un intérêt en monocycles et tricot ; Il devient un cavalier accompli monocycle, être capable de monter vers l’avant et en arrière et hop. Il a amusé souvent son auditoire par circonscription sur la scène sur son monocycle pour ses spectacles. Son professeur de monocycle a Kelly Carrigan. Ils montaient côte à côte pour des années.[4][5]

[modifier] Mort

Au cours de 1987, Peter Tosh semblait avoir un renouveau de la carrière. Il a reçu un Grammy Award pour la meilleure Performance de Reggae en 1987 pour aucune guerre nucléaire.[6] Le 11 septembre 1987, juste après que la Tosh était retourné à son domicile en Jamaïque, un gang de trois hommes est venu à sa maison exigeant d’argent. Tosh a répondu qu’il n’avait pas avec lui, mais le gang ne croyait pas lui. Ils sont restés à sa résidence pendant plusieurs heures dans une tentative de Tosh extorquer de l’argent et torturé. Pendant ce temps, beaucoup d’amis du Tosh vint à sa maison pour l’accueillir en raison de son retour en Jamaïque. Comme les gens sont arrivés, les tireurs devient plus frustré, notamment chef voyou, Dennis « Leppo » Lobban, un homme que Tosh avait auparavant se lia d’amitié et essayé d’aider à trouver un emploi après une peine d’emprisonnement de longue. Tosh dit qu’il n’avait pas d’argent à la maison, après lequel Lobban mettre une arme à feu à la tête du Tosh et tourné une fois, tuant. Les autres hommes armés ont commencé de tir, plusieurs autres blessés et tuant également disc jockey Jeff « Free je » Dixon. Leppo se rend aux autorités. Il a été condamné à mort, mais sa peine est commuée en 1995 et il demeure en prison.[7]

[modifier] Discographie

Studio albums

[edit] Live albums

  • Captured Live (1984)
  • Live at the One Love Peace Concert (2000)
  • Live & Dangerous: Boston 1976 (2001)
  • Live At The Jamaica World Music Festival 1982 (2002)
  • Complete Captured Live (2004)

[edit] Compilations

Listed are compilations containing material previously unreleased outside of Jamaica.

  • The Toughest (Heartbeat) (1996)
  • Honorary Citizen (1997)
  • Scrolls Of The Prophet: The Best of Peter Tosh (1999)
  • Arise Black Man (1999)
  • Black Dignity (Early Works Of The Stepping Razor) (2001)
  • I Am That I Am (2001)
  • The Best Of Peter Tosh 1978-1987 (2003)
  • Can’t Blame The Youth (2004)
  • Black Dignity (JAD) (2004)
  • Talking Revolution (2005)
  • The Ultimate Peter Tosh Experience (2009)

Appears on

See also

References

  1. ^ Liner notes to album Burnin’
  2. ^ Personal Interview with Doug Wendt, August 17, 1983.
  3. ^ Michael E. Veal, Dub: soundscapes and shattered songs in Jamaican reggae (Wesleyan University Press, 2007), p. 15
  4. ^ Babylon by Bike.
  5. ^ Johnny B. Goode video.
  6. ^ POP VIEW; Peter Tosh, Reggae’s Rebel, The New York Times, September 27 1987
  7. ^ Ivan impacts on celebrations for Peter Tosh – JAMAICAOBSERVER.COM

External links

SOURCE-

From Wikipedia, the free encyclopedia

LANGUE ANGLAIS

Peter Tosh, born Winston Hubert McIntosh (19 October[1] 1944 – 11 September 1987), was a Jamaican reggae musician who was a major member of the musical band The Wailers (1963–1974), and who afterward had a successful solo career as well as being a promoter of Rastafari.

Peter Tosh was born in Grange Hill, Jamaica with a father and mother too young to care for him properly. He was raised by his aunt. He began to sing and learn guitar at an early age, inspired by American radio stations. After a notable career with The Wailers and as a solo musician, he was murdered at his home during a robbery.

With The Wailers

During the early 1960s Tosh met Bob Marley and Bunny Wailer, who knew his vocal teacher, Joe Higgs. While developing their music, the trio would often play together on street corners in a Jamaican slum known as Trenchtown. Joe Higgs was the man who taught the trio to harmonize. During 1962, he helped[citation needed] organize the band The Wailing Wailers, with Junior Braithwaite and backup singers Beverley Kelso and Cherry Smith. The Wailing Wailers had a major ska success with their first single, « Simmer Down », and recorded several more successful singles before Braithwaite, Kelso and Smith left the band during late 1965. Marley spent much of 1966 in Delaware in the United States of America with his mother, Cedella (Malcolm) Marley-Booker and for a brief time was working for a nearby Chrysler company factory. He then returned to Jamaica during early 1967 with a renewed interest in music and a new spirituality. McIntosh and Bunny were already Rastafarians when Marley returned from the U.S., and the three became very involved with the Rastafari faith. Soon afterwards, they renamed the musical group The Wailers. Tosh would explain later that they chose the name Wailers because to « wail » means to mourn or to, as he put it, « …express ones feelings vocally ».

Rejecting the up-tempo dance of ska, the band slowed their music, and infused their lyrics with political and social messages. The Wailers composed several songs for the American-born singer Johnny Nash before teaming with producer Lee Perry to record some of the earliest well-known reggae songs, including « Soul Rebel », « Duppy Conqueror », and « Small Axe ». Bassist Aston « Family Man » Barrett and his brother, drummer Carlton Barrett joined the group during 1970. The band signed a recording contract with Chris Blackwell and Island Records company and released their debut, Catch a Fire, during 1973, following it with Burnin’ the same year.

During 1973, Tosh was driving home with his girlfriend Evonne when his car was hit by another car driving on the wrong side of the road. The accident killed Evonne and fractured Tosh’s skull severely. He survived, but became more difficult to deal with. After Island Records president Chris Blackwell refused to issue his solo album during 1974, Tosh and Bunny Wailer ended their employment with the Wailers, citing the unfair treatment they received from Blackwell, to whom Tosh often referred with a derogatory play on Blackwell’s surname, ‘Whiteworst’.

[edit] Solo career

Tosh began recording using the name Peter Tosh, and released his solo debut, Legalize It, during 1976 with CBS Records company. The title track soon became popular among endorsers of marijuana legalization, reggae music lovers and Rastafarians all over the world, and was a favourite at Tosh’s concerts.[citation needed] As Marley preached his « One Love » message, Tosh criticized the hypocritical « shitstem ». He released the album Equal Rights during 1977.

Tosh organized a backing band, Word, Sound and Power, who were to accompany him on tour for the next few years, and many of whom were features of his albums of this period. During 1978 Rolling Stones Records contracted with Tosh, and the album Bush Doctor was released, introducing Tosh to a larger audience. The single from the album, a cover version of The Temptations song Don’t Look Back, performed as a duet with Rolling Stones singer Mick Jagger, made Tosh one of the best-known reggae artists.[citation needed] Tosh, as the original guitarist for The Wailers, is considered as one of the originators of the choppy and syncopated reggae guitar style.[citation 

During the free One Love Peace Concert of 1978, Tosh lit a marijuana spliff and lectured about legalizing cannabis, lambasting attending dignitaries Michael Manley and Edward Seaga for their failure to enact such legislation. Several months later he was apprehended by police as he left Skateland dance hall in Kingston and was beaten severely while in police custody.

Mystic Man (1979), and Wanted Dread and Alive (1981) followed. Released on the Rolling Stones' own record label, Tosh tried to gain some mainstream success while keeping his militant opinions, but was largely unsuccessful, especially compared to Marley's achievements. That same year, Tosh appeared in the Rolling Stones' video, Waiting on a Friend.

After the release of 1983's album Mama Africa, Tosh went into self-imposed exile, seeking the spiritual advice of traditional medicine men in Africa, and trying to free himself from recording agreements that distributed his records in South Africa.[citation needed] Tosh had been at odds for several years with his label, EMI, over a perceived lack of promotion for his music.[2]

Tosh also participated with the international opposition to South African apartheid by appearing at Anti-Apartheid concerts and by representing his opinion with the lyrics of various songs like « Apartheid » (1977, re-recorded 1987), « Equal Rights » (1977), « Fight On » (1979), and « Not Gonna Give It Up » (1983). During 1991 Stepping Razor – Red X was released, a movie – documentary by Nicholas Campbell, produced by Wayne Jobson and based upon a series of spoken-word recordings of Tosh himself, which chronicled the story of the artist’s life, music and untimely death.

[edit] Religion

Along with Bob Marley and Bunny Wailer during the late 1960s, Peter Tosh became a devotee of Rastafari.[3] Tosh, like Marley, subsequently became a member of the Ethiopian Orthodox Tewahedo Church.

[edit] Unicycling

At some point after his end with the Wailers, Tosh developed an interest in unicycles and knitting; he became an accomplished unicycle rider, being able to ride forwards and backwards and hop. He often amused his audiences by riding onto the stage on his unicycle for his shows. His teacher for unicycling was Kelly Carrigan. They rode side by side for years.[4][5]

[edit] Death

During 1987, Peter Tosh seemed to be having a career revival. He was awarded a Grammy Award for Best Reggae Performance during 1987 for No Nuclear War.[6] On 11 September 1987, just after Tosh had returned to his home in Jamaica, a three-man gang came to his house demanding money. Tosh replied that he did not have any with him but the gang did not believe him. They stayed at his residence for several hours in an attempt to extort money from Tosh and tortured him. During this time, many of Tosh’s friends came to his house to greet him because of his return to Jamaica. As people arrived, the gunmen became more and more frustrated, especially the chief thug, Dennis ‘Leppo’ Lobban, a man whom Tosh had previously befriended and tried to help find work after a long jail sentence. Tosh said he did not have any money in the house, after which Lobban put a gun to Tosh’s head and shot once, killing him. The other gunmen began shooting, wounding several other people and also killing disc jockey Jeff « Free I » Dixon. Leppo surrendered to the authorities. He was sentenced to death, but his sentence was commuted during 1995 and he remains in jail.[7]

POUR EN SAVOIR PLUS

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http://en.wikipedia.org/wiki/Peter_Tosh

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Peter TOSH

Biographie de Peter TOSH :
Artiste, Chanteur, Compositeur, Guitariste, Musicien et Organiste (Jamaïcain)
Né le 09 octobre 1944
Décédé le 11 septembre 1987 (à l’âge de 42 ans)

Peter Tosh (de son vrai nom, Winston Hubert McIntosh) est un chanteur, guitariste, organiste et auteur compositeur de ska, de rocksteady, de reggae et de soul, né le 9 octobre 1944 à Church Lincoln, Grange Hill, dans le Westmoreland en Jamaïque, et mort le 11 septembre 1987 à Kingston. Il est, avec Bob Marley, une des figures emblématiques du reggae et de la spiritualité Rasta.*

Tosh connaît peu son père. Doué pour la musique il chante et joue du piano à la messe le dimanche. Elevé à la campagne par sa mère et sa tante qui lui enseigne le piano, à dix ans il apprend la guitare en observant un fermier qui en joue. En archétype de « rude boy », il part pour la capitale, où il erre seul à quinze ans. Sa rencontre en 1962 dans le quartier ghetto de Trench Town à Kingston en Jamaïque avec Bob Marley et Neville Livingston (surnommé plus tard Bunny Wailer) est décisive pour cet homme de grande taille déjà propriétaire d’une guitare sèche.

En 1963, il fonde avec Junior Braithwaite, Neville Livingston et Bob Marley le groupe vocal The Wailers avec pour professeur de chant Joe Higgs. Il se concentre surtout sur les harmonies vocales avec Bunny mais son rôle ne se limite pas toujours aux chœurs : engagés par le producteur local Clement « Sir Coxsone » Dodd chez Studio One, les quatre membres des Wailers interprètent tous des morceaux. Après le succès en 1964 du ska « Simmer Down » chanté par Bob Marley et le départ de Braithwaite, il grave une bonne douzaine de morceaux en tant que chanteur principal. Sa nature impétueuse constitue le pôle le plus mordant du groupe. On peut l’entendre sur le très rock « Can’t You See », « Hoot Nanny Hoot », le calypso « Shame and Scandal » ou « Rasta Shook Them Up » (en 1966, un des premiers morceaux enregistrés sur le thème du Rastafari), « Maga Dog » et un morceau des Temptations, »(You Gotta Walk and) Don’t Look Back », qu’il réenregistrera avec succès en 1978 en duo avec Mick Jagger. Cette période méconnue chez Studio One compte pourtant quelques-uns de ses enregistrements les plus remarquables. Mais tous les titres de l’album « The Wailin’ Wailers » (1966) ont pour chanteur principal Bob Marley. Les Wailers quittent Studio One début 1966 après avoir contribué à l’enregistrement d’une centaine de titres en tant qu’artistes ou choristes. Après un séjour en prison pour détention de chanvre (et un passage à tabac), il enregistre notamment « Maga Dog » et « Leave My Business » en solo pour Joe Gibbs, sans jamais arriver à gagner grand chose.

Quand Bob Marley, Peter Tosh et Bunny créent la petite marque « Wail’n'Soul’m » fin 1966, il enregistre de nombreux rocksteady aux paroles audacieuses, impertinentes comme « Funeral », « Pound Get A Blow », « Fire Fire » en duo avec Bob Marley, « Dem A Fi Get A Beatin » et « Stepping Razor » écrit par leur professeur de chant Joe Higgs. Mais aucun n’a de succès. En janvier 1968, comme Rita et Bob Marley, Peter Tosh signe un contrat de production et d’éditions exclusives avec les disques JaD du chanteur américain Johnny Nash, pour qui les Wailers enregistrent un album qui ne sortira qu’en 1997. Tosh y interprète « Love », qui sera repris par Johnny Nash sur son album à succès « I Can See Clearly Now » en 1974.

À la naissance du reggae en 1968, Peter Tosh continue à prendre la parole au sein des Wailers avec « The World Is Changing », « Give Me A Ticket » (reprise de « The Letter » des Box Tops). En 1970, il impose quatre titres sur l’album « The Best of the Wailers » (Beverley’s 1971) pour le producteur Leslie Kong, dont « Soon Come », qu’il réenregistrera en 1978. Fin 1969, lorsque Bob Marley rentre des États-Unis, il fonde avec lui et Bunny le label Tuff Gong.

En 1970 le producteur Lee ‘Scratch’ Perry réalise de nombreux enregistrements des Wailers, dont quatre sont interprétés par Peter Tosh : « 400 Years », « No Sympathy », « Downpresser » et « Second Hand », mais toujours sans succès. Il grave « Rightful Ruler » (produit par Lee Perry en 1970) en duo avec U Roy, dont c’est le premier disque. D’autres 45 tours obscurs sont publiés par divers labels (dont une reprise du « Here Comes The Sun » des Beatles en 1971) réunis sur le triple coffret « Honorary Citizen » (Sony 1997). Les Wailers ne parviennent à graver qu’un seul succès local depuis leur départ de Studio One en 1966, le « Trench Town Rock » de Bob Marley (Tuff Gong, 1971).

Quand ils signent un contrat de production avec le studio anglais Island fin 1972, les Wailers pensent avoir trouvé la voie du succès. Peter Tosh co-signe l’hymne contestataire « Get Up Stand Up » qu’il interprète en duo avec Marley, et chante « One Foundation », « 400 Years » et « Stop The Train » sur les albums « Catch A Fire » et « Burnin » qui sortent en Grande-Bretagne. Mais Bunny quitte le groupe après une première tournée anglaise en avril 1973, et à la suite d’un différend financier avec Bob et Island, qui met trop Marley en avant à son goût, Peter laisse lui aussi la formation après une seconde tournée qui donnera bien plus tard l’album « Talkin’ Blues ».

Armé de sa guitare et de sa fameuse pédale Wah-wah, il fonde alors sa propre marque intitulée Intel-Diplo HIM (« Intelligent Diplomat for His Imperial Majesty ») en signe d’allégeance à Hailé Sélassié Ier, dit Jah Rastafari. Il publie quelques 45 tours solo contestataires comme « Babylon Queendom »" en allusion à la Reine d’Angleterre.

En 1976, avec l’aide de l’harmoniciste Lee Jaffee, il enregistre l’album « Legalize It » (Grammy posthume du meilleur album de reggae en 1988) pour Columbia (Virgin en Angleterre) avec les mêmes musiciens que Bob Marley, qui contribue lui aussi à l’album. Il pose au milieu d’un champ de ganja sur la pochette de l’album. La chanson du même nom, qui fait l’apologie du chanvre, est interdite à sa sortie en Jamaïque. Tosh continue à enregistrer pour Virgin, qui publie l’album « Equal Rights » en 1977, toujours enregistré avec les mêmes musiciens que Marley et Bunny Wailer.

En avril 1978, lors du « One Love Peace Concert » à Kingston, auquel Bob Marley participe en tête d’affiche, insolent comme de coutume Peter Tosh a des mots désagréables pour les politiciens qui se disputent le pouvoir dans l’île. Le Premier Ministre Manley et son opposant Seaga sont présents. Ils rejoindront Marley sur scène quelques minutes plus tard. Mick Jagger était également présent au concert, et lui propose un contrat pour son nouveau label, Rolling Stones Records.

Quelques jours plus tard, prétextant une détention de ganja qui provoque une bagarre avec un policier, Peter Tosh est passé à tabac par la police qui le laisse pour mort. Les mains brisées, couvert de fractures, il ne devra la vie qu’aux soins de ses co-détenus et à une intervention de l’armée. Il enregistre néanmoins l’album « Bush Doctor » avec l’équipe de Sly Dunbar et Robbie Shakespeare « Word, Sound And Power » et Mick Jagger avec qui il grave une nouvelle version en duo de « (You Gotta Walk and) Don’t Look Back » qui devient un succès international. Peu après, Serge Gainsbourg lui emprunte l’équipe de Sly & Robbie pour l’album « Aux Armes Et Cætera ».

Après ces trois remarquables albums, quelques concerts en première partie des Rolling Stones et une tournée européenne, Peter Tosh est une vedette consacrée avec Jagger en couverture de « Best », l’influent mensuel du rock.

Influencés par le son pop international ambiant (solos de guitare notamment), ses disques ultérieurs pour EMI, « Mystic Man », « Wanted Dread And Alive », « Mama Africa » (qui contient une reprise du « Johnny B. Goode » de Chuck Berry) et « Captured Live » montrent ses limites avec pourtant des titres occasionnellement excellents et se vendent relativement mal malgré de bons et nombreux concerts. En 1983, il joue au Swaziland en Afrique du Sud et tourne en Europe avec une guitare en forme de mitraillette. Il joue aussi à Kingston, mais ce sera sa dernière tournée. Souffrant de séquelles de ses passages à tabac, il se repose beaucoup. Son dernier album « No Nuclear War », plus réussi, sort peu avant sa mort.

Le 11 septembre 1987, Peter Tosh est tué à son domicile lors d’un règlement de compte dans des circonstances mystérieuses alors qu’il allait prendre le contrôle d’une radio en Jamaïque. Impliqué dans le trafic de chanvre[réf. nécessaire] et fréquentant des repris de justice qui l’estimaient redevables, il n’en était pas moins impliqué dans une lutte pour l’égalité et la justice. Il laisse plusieurs enfants, dont un fils, Andrew Tosh, qui a entamé une carrière musicale dans le reggae. Peter Tosh avait 42 ans[1].

Bunny Wailer est le dernier membre vivant de la formation originelle du trio des Wailers dont Peter Tosh était l’un des fondateurs.

Discographie

Avec les Wailers

* The Wailing Wailers (1966)
* Soul Rebels (1970)
* Soul Revolution Part II (1971)
* The Best of the Wailers (enregistré en 1970 mais paru en 1971)
* Catch A Fire (1972)
* Burnin’ (1973)

Solo

* Legalize It (1976)
* Equal Rights (1977)
* Bush Doctor (1978)
* Mystic Man (1979)
* Wanted : Dread & Alive (1981)
* Mama Africa (1983)
* Captured Live (1984)
* No Nuclear War (1987)

Albums Posthumes

Avec les Wailers :

* 1996 – The Toughest (1964-1966)
* 2003 – Freedom Time (1967-1968)
* 1998 – Rock to the Rock (1968)
* 1997 – Selassie Is the Chapel (1968-1969)
* 2000 – Arise Black Man
* 2003/2004 – Peter Tosh And Friends – Black Dignity – Early Works of the Steppin’ Razor
(1967-1972) – (Trojan)
* 2004 – Black Dignity – (Island)
* 2004 – Can’t Blame The Youth (1967-72) – (Jad/Universal)
* 1995 – Talkin’ Blues (1973)

En solo :

* 2000 – Honorary Citizen : coffret de 3 CD anthologie des 45 tours jamaïcains, de titres en
public et une sélection studio.
* 2000 – Live at the One Love Peace Concert (1978)
* 2001 – I Am That I Am : enregistrements à la guitare sèche des années 70.
* 2002 – Live at the Jamaican Music Festival MoBay ’82 (JAD)
* 2003 – Don’t Want to Get Busted : rassemble Live at the One Love Peace Concert, I Am That I
Am plus un entretien de 1978 avec Bruno Blum
* 2005 – Talking Revolution : rassemble Live at the One Love Peace Concert et I Am That I Am.
Page soumise à la GFDL.
Source : Article Peter TOSH de Wikipédia

http://www.jesuismort.com/biographie_celebrite_chercher/biographie-peter_tosh-2681.php

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14 janvier, 2011

Pete « El Conde » Rodríguez -MERCI

Classé sous Non classé — manoretro @ 4:01

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Pete « El Conde » Rodríguez

À ne pas confondre avec Pete Rodriguez (Boogaloo).

Pedro Juan Rodriguez Ferrer (31 Janvier 1932 – 2 décembre 2000), mieux connu sous le nom Pete « El Conde » Rodriguez est un chanteur de salsa né à Ponce, Porto Rico. Son fils, également nommé Pete Rodriguez, est aussi un musicien de salsa et de jazz.

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Pete « El Conde » Rodriguez était un percussionniste qui a commencé à jouer des bongos à l’âge de cinq ans. Après avoir travaillé avec des groupes locaux à Ponce, Porto Rico, il rejoint Le Bronx pendant les années 1950. Tout en chantant et en jouant les congas dans un bar du Bronx, il a été repéré par le légendaire chef d’orchestre Johnny Pacheco. Son premier album a été intitulé Suavito, qui a été publié en 1963.

Tout juste un an plus tard, en 1964, Pacheco et son avocat Jerry Masucci fondent la Fania All Stars, une combinaison des meilleurs chanteurs latins et musiciens à ce moment-là. Le premier album de Pete sous le label Fania était Canonazo. Entre 1964 et 1973, Rodriguez et Pacheco a enregistré sept albums dont La Perfecta Combinacion (1970), Los Compadres (1971) et Tres De Cafe Y Dos De Azucar (1973).

En 1974, Rodriguez quitte la Fania All Stars et s’est concentré sur une carrière solo. Son premier album solo El Conde (1974) était un gagnant d’un prix. Son album de 1976 Qu’este Negro Si Es Sabroso a été classé neuvième meilleurs records de Salsa à ce moment-là. Cet album contient une de ses chansons les plus populaires, « Catalina La O ».

Durant les années 1980, avec la Fania All Stars au bord de la dissolution, Rodriguez réunie avec Johnny Pacheco et enregistré quatre albums plus entre 1983 et 1989. Leur album de 1987 Salsobita a été nommé pour un Grammy Award. En 1990, il alla à nouveau solo.

Pete « El Conde » Rodriguez a seulement enregistré deux albums dans les années 1990 avec l’une de ses chansons à succès « Esos Tus Ojos Negros » étant sorti en 1993. En 2000, il est engagé par Tito Puente pour fournir le chant pour un hommage à la chanteuse fin de boléro Benny Moré. Cependant, l’album est sorti à titre posthume parce que Tito Puente est décédé le 31 mai 2000. Ironiquement, Rodriguez a également eu une maladie cardiaque, mais il a refusé de subir un pontage comme Tito Puente avaient fait mais meurt en fin de compte. Le 1er décembre 2000, Pete « El Conde » Rodriguez a subi une crise cardiaque et est décédé à l’âge de 68 ans.
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LANGUE ANGLAIS
Pete « El Conde » Rodríguez

From Wikipedia, the free encyclopedia

Not to be confused with Pete Rodriguez (Boogaloo).

Pedro Juan Rodriguez Ferrer (January 31, 1932 – December 2, 2000), better known as Pete « El Conde » Rodriguez was a salsa singer born in Ponce, Puerto Rico. His son, also named Pete Rodriguez, is also a salsa and jazz musician.[1]

Pete « El Conde » Rodriguez was a percussionist who started playing bongos at the age of five. After working with local groups in Ponce, Puerto Rico, he moved to The Bronx during the 1950s. While singing and playing the congas in a Bronx bar, he was spotted by legendary bandleader Johnny Pacheco. His first album was titled Suavito, which was released in 1963.

Just a year later in 1964, Pacheco and his lawyer Jerry Masucci founded The Fania All-Stars, a combination of the best Latin singers and musicians at that time. Pete’s first album under the Fania label was Canonazo. Between 1964 and 1973, Rodriguez and Pacheco recorded seven albums including La Perfecta Combinacion (1970), Los Compadres (1971), and Tres De Cafe Y Dos De Azucar (1973).

In 1974, Rodriguez left the Fania All-Stars and concentrated on a successful solo career. His solo debut album El Conde (1974) was an award winner. His 1976 album Este Negro Si Es Sabroso was rated ninth in best Salsa records at that time. That album featured one of his most popular songs, « Catalina La O ».

During the 1980s, with the Fania All-Stars on the verge of disbanding, Rodriguez reunited with Johnny Pacheco and recorded four more albums between 1983 and 1989. Their 1987 album Salsobita was nominated for a Grammy. By 1990, he went solo again.

Pete « El Conde » Rodriguez only recorded two albums in the 1990s with one of his hit songs « Esos Tus Ojos Negros » being released in 1993. By 2000, he was hired by Tito Puente to provide lead vocals for a tribute to the late bolero singer Benny Moré. However, the album was released posthumously because Tito Puente died on May 31, 2000. Ironically, Rodriguez also had a heart ailment, but he refused to undergo bypass surgery as Tito Puente did but ultimately died. On December 1, 2000, Pete « El Conde » Rodriguez suffered a heart attack and died at the age of 68.

SOURCE WIKIPEDIA
POUR EN SAVOIR PLUS CLIQUE ICI
http://en.wikipedia.org/wiki/Pete_%22El_Conde%22_Rodr%C3%ADguez

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Héctor Lavoe – MERCI

Classé sous Non classé — manoretro @ 3:31

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Héctor Lavoe

Héctor Juan Pérez Martínez (30 Septembre 1946 – 29 juin 1993), mieux connu comme Héctor Lavoe, était un chanteur de salsa portoricaine . Lavoe est né et a grandi dans le secteur Machuelito de Ponce, Porto Rico. Au début de sa vie, il a assisté à une école de musique et a développé un intérêt inspiré par Jesús Sánchez Erazo.  Il s’installe à New York , alors qu’il était âgé de 17 ans.  Sa première semaine vivant dans la ville, il a travaillé comme le chanteur d’un sextet formé par Roberto García. Durant cette période, il a joué avec plusieurs autres groupes, y compris la Orquesta New York, Kako All-Stars et la bande de Johnny Pacheco .

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En 1967, Lavoe rejoint Willie Colondu groupe et exécutée comme le chanteur du groupe.  Avec la bande de Willie Colon, Lavoe enregistré plusieurs chansons à succès, dont « El malo » et « Canto a Borinquen ». Tandis que travailler avec le groupe Willie Colon, Lavoe devenue une dépendance aux drogues et a commencé à habituellement être fin lorsque prévu pour jouer avec le groupe. Colón a finalement décidé de ne pas fonctionner avec Hector sur scène, mais encore, ils restèrent bons amis et fait de la musique dans le studio ensemble. Lavoe a évolué devenir un soliste et formé son propre groupe, où il a joué comme chanteur. En tant que soliste Lavoe enregistré plusieurs hits, y compris « El cantante », « Bandolera » et « El periódico de ayer » (« El Cantante » a été composée par Ruben Blades, « Bandolera » par « Periódico » par Tite Curet Alonsoet de Colón.) Durant cette période, il a été souvent présenté comme un chanteur invité dans Fania All Starset enregistré de nombreuses pistes avec le groupe.

En 1979, Lavoe a subi une profonde dépression et a demandé l’aide d’un grand prêtre (de la foi de la santeria ) pour s’occuper de sa dépendance à la drogue. Après un courte de la réhabilitation, il fait une rechute après la mort de son père, le fils et la mère en droit.  Ces événements, avec diagnostic avec le VIH, affectés Lavoe au point d’une tentative de suicide en sautant du balcon d’une chambre d’hôtel. [[] 2] Lavoe ont survécu et ont enregistré un album avant le début de son état de santé ne pas. Lavoe mourut le 29 juin 1993, d’une complication du sida.

Début de la vie

Héctor est né à Ponce, Porto Rico , à Pachita et Pérez, Luis et a grandi dans la Machuelito barrio de la ville. [[] 5] Il a été inspiré tôt dans la vie de sa famille musicalement-talentueux. Son grand-père Don Juan Martínez était une chanteuse de chansons controversés, qui va souvent de conflit vocal en affrontements physiques. Son oncle était un joueur bien connu tres à Ponce. [[] 5] Sa mère Pachita était bien connue entre sa famille et les habitants de la ville pour sa belle voix. [[] 5] Son père Luis appuyé sa femme et huit enfants en chantant et en jouant de la guitare avec trios et big bands. Héctor pourrait également être influencé par portoricains chanteurs tels que Jésus Sanchez Erazo, également connu sous le nom « Chuíto el de Bayamón »- un des meilleurs chanteurs de l’île et Daniel Santos. [[] 5] Plus tard dans sa vie, il aurait l’honneur d’enregistrer des chansons avec les deux artistes.

Héctor ont assisté à la locale Juan Morel Campos Public School of Music où le saxophone fut le premier instrument il apprit à jouer. Parmi ses camarades de classe étaient Jose Febles et multi-instrumentiste Papo Lucca. [[] 6] Un de ses professeurs exigeraient strictement bonne diction, présence scénique et manières de lui réclamer que comme chanteuse Boléro , Héctor deviendrait une superstar. L’âge de 17 ans, Lavoe a abandonné l’école et chante avec un groupe de dix pièces. [[4] Il s’installe définitivement à New York le 3 mai 1963, contre la volonté de son père, puisqu’un frère aîné avait déménagé dans la ville et meurt d’une overdose. [[] 7] [[8] Il faudrait plusieurs années avant que Héctor a réussi à concilier avec son père.

Arrivée à New York City

Il rencontra sa Priscilla sœur à son arrivée à New York. [[] 9] La première chose qu’il l’a fait à New York a visiter El Barrio, New York du « Spanish Harlem. » [[] 9] Héctor fut déçu dans la condition de El Barrio, qui contraste avec sa vision de la « Fantaisies Cadillacs, haut gratte-ciel de marbre et rues bordées d’arbres ». [[] 9] Hector est resté à l’appartement de sa sœur dans Le Bronx, au lieu de cela.

La première semaine à New York, Héctor a été invité par son ami Roberto García, un musicien collègue et ami d’enfance, à une répétition d’un nouvellement formé sextuor. [[] 9] Lorsqu’il arrive qu’ils étaient répéter le Boléro romantique Tus Ojos. Le chanteur chante au large de la clé, et comme un geste de bonne volonté, Lavoe a montré le chanteur comment il était censé sonore. [[] 9] Suite à cet événement, le groupe lui a offert le spot du chanteur, qui par la suite, il accepte.[9]

Plus tard dans sa carrière, il rejoint les autres groupes dans le genre, y compris la Orquesta New York, Kako All-Stars et Johnny Pacheco. Pour distinguer Héctor de chanteurs Latino, ancien gestionnaire lui a fait adopter de Felipe Rodriguezmoniker « La Voz » (« The Voice ») et transformée en un nom de scène, Lavoe.[9]

En 1967, il rencontre le musicien de Salsa et chef d’orchestre Willie Colon. Pacheco, Co-propriétaire de Fania Records et son directeur musical de l’enregistrement, a proposé ce record de Colón Lavoe sur une piste de premier album du Colón El Malo. Étant donné les bons résultats, Colón avait Lavoe enregistrer le reste des pistes vocales de l’album. Willie n’a jamais officiellement demandé Lavoe à rejoindre son groupe, mais après l’enregistrement, Willie lui dit, « Le samedi nous commençons à 22 à Tropicoro El Club. »[10]

Succès de l’album ont contribué à transformer des vies tant du colon et du Lavoe. [[] 9] Bande de Colón en vedette un son pour tous-trombone brut, agressif qui a été bien accueilli par les fans de salsa et Lavoe complété le style avec sa voix s’articulent, talent pour l’improvisation et le sens de l’humour. [[] 9] Héctor a reçu la reconnaissance instantanée, un travail stable et assez d’argent pour lui fournir une vie confortable. [[] 9] Selon Lavoe, c’est arrivé si vite, qu’il ne savait pas comment faire face à la réussite soudaine.

Au cours de cette même année, Lavoe a commencé une relation amoureuse avec Carmen Castro. Castro est tombée enceinte mais a refusé de se marier avec lui, parce qu’elle considère comme un « coureur de jupons. » [[] 11] Premier fils de Lavoe, José Alberto Perez Cuapio est né le 30 octobre 1968. [[] 11] La nuit quand José a été baptisé, Héctor a reçu un appel l’informant que Nilda « Puchi » Roman (avec qui il a eu une relation pendant la même période, qu’il était avec Castro) était enceinte. [[] 11] Second fils de Héctor, Héctor Jr. est né le 25 septembre 1969. [[] 11] Suite à cet événement, le couple marié, et suite à une demande par romain, Lavoe réduit la quantité de contact avec Castro et José Alberto au minimum au cours de leur mariage.[11]

[Modifier] Musique

[Modifier] The Willie Colon ans

En fin de 1970, Colón et Lavoe enregistrent le premier des deux albums de « Asalto Wilderness » , mettant en vedette portoricaines chansons folkloriques comme chanson de jibaro de Ramito « Patria y Amor » (renommé « Canto a Borinquen ») et compositions originales.[12]

Tout en profitant de son succès nouvellement trouvée, Héctor devenue sévèrement accro aux stupéfiants, à savoir l’héroïne et médicaments d’ordonnance. [[] 13] Sa dépendance a entraîné en lui montrant la fin des concerts, et il finit par ne démontre pas pour certains spectacles réguliers à tous les. Bien que Colón serait finalement couper les liens avec lui, il tente d’aider Lavoe à demander de l’aide pour tenter de quitter ses habitudes de drogue.

Manque de Lavoe de professionnalisme est souvent neutralisée par une présence sur scène affable, très ressemblant à celle d’un humoriste. [[] 14] Un autre incident célèbre a un membre du public d’âge moyen à une demande de danse un portoricain danza de bande de Colón, à laquelle Lavoe a répondu avec une insulte. [[] 14] Le demandeur a ensuite donné Lavoe telle une raclée qu’il a presque fini à l’hôpital. La demande a été finalement honorée dans un enregistrement plus tard de Colón, « El Juicio » (The Trial), lorsqu’il a ajouté une section danza à la chanson de Rafael Muñoz « Soñando despierto », qui Lavoe introduit avec une deadpanned: « ¡Para 5ËÊM, Motherflower! » (un euphémisme pour du « présente un pour vous, motherfucker! »)[14]

La bande de Colón avait d’autres succès majeurs, tels que « Calle Luna, Calle Sol », et la santería influencé « Aguanilé » ; une chanson de Pacheco, enregistrée en studio du groupe, « Mi Gente », était mieux connue dans une version live Lavoe enregistré plus tard avec Fania All Stars.

[Modifier] Lavoe va solo

En 1973, Willie Colon a cessé en tournée se consacrer pour enregistrer la production et les autres entreprises. Lavoe a eu l’occasion de devenir chef d’orchestre à son propre orchestre ; [[] 3] lui et sa bande ont parcouru le monde de leur propre chef, et il serait aussi un chanteur invité pour la Fania All Stars. Dans le cadre de ces invitations, Lavoe était présent à plusieurs spectacles avec le groupe. Un des présentations notable du groupe ont eu lieu dans la province de Kinshasa au Zaïre, où le groupe exercée dans le cadre des activités favorisant Le Rumble in the Jungle, un combat de boxe entre Muhammad Ali et George Foreman pour les championnats de heavyweight de la World Boxing Council et l’Association mondiale de la boxe.

La Fania All Stars enregistre plusieurs de leurs titres en live. Lavoe faisait partie du groupe de la MLB retour au Yankee Stadium en 1975, où le groupe a enregistré une production de deux volumes intitulée Live au Yankee Stadium. L’événement vedette des meilleurs chanteurs en Fania et Vaya records, Lavoe a été inclus dans le groupe avec Ismael Miranda, Cheo Feliciano, Justo Betancourt, Ismael Quintana, Bobby Cruz, Pete « El Conde » Rodriguez, Colón Santos et Celia Cruz. En quinze différentes productions, Lavoe a enregistré des chansons avec le groupe comme chanteur dans vingt-trois chansons. En plus d’enregistrer des chansons avec le groupe, Lavoe, était également présente dans les trois films filmé et produit par Fania Records. Il s’agissait : Fania All Stars : notre chose Latin, Fania All Stars : Salsa, et Celia Cruz avec la Fania All Stars : vivre en Afrique. [[] 3] Ses albums produits Colón serait best sellers ; réductions de ces albums ont été hits à Porto Rico et le reste de l’Amérique latine :
Enregistrement du Lavoe Tite Curet Alonso « El Periódico de Ayer » était un numéro un hit dans les charts mexicains pour quatre mois droites. C’était aussi un fort succès dans plusieurs pays des Caraïbes et en Amérique du Sud.[6]
Comme producteur, Willie Colon avait Lavoe enregistrer ce qui allait devenir sa chanson de signature, Ruben Blades-est l’auteur de la chanson « El Cantante » contre les protestations des pales (lames voulaient enregistrer la chanson sur son propre.). Lames a reconnu à maintes reprises depuis alors que Lavoe soulevé sa chanson statut classique et de la performance de cette Lavoe était beaucoup mieux que ce qu’il accomplirait avec elle.
La chanson Lavoe « Bandolera » était un vendeur fort à Porto Rico, en dépit de vives protestations de Porto ricains féministes sur ses paroles et soneos (Lavoe deux fois offre sous réserve de la chanson une raclée).[6]
Enregistrement du Lavoe du poème Nicolás Guillén « Sóngoro Cosongo », mis en musique salsa, était un autre grand succès.[11]
La chanson controversée patronale , « Joven contra viejo », en vedette Lavoe et Daniel Santos régler leurs différends fondée sur l’âge sur scène pas sans une dose massive de l’humour et (encore une fois), musique de cuatro de Yomo Toro comme toile de fond. Un autre Noël majeur a frappé le Billboard Greatest hits de genre tropical en 1979 comprend une chanson du chanteur/compositeur Miguel Poventud « Una Pena En La Navidad » dans le même album intitulé « Feliz Navidad ».[6]
Le coup final du Lavoe, « El Rey de la Puntualidad » (le roi de la ponctualité), est un décollage humoristique sur du Lavoe retard constant et l’absentéisme occasionnel de spectacles. [[] 15] [[] 13] Lavoe suivi les conseils du prêtre de la Santeria et coupe toutes les communications avec sa famille et ses amis pour une période de deux mois. [[] 13] Suite à cet événement Héctor, réapparu confiants et apparemment libre de sa dépendance à la drogue.[13]

[Modifier] Dernières années et mort

Après sa réhabilitation, vie du Lavoe a été touchée par les événements tragiques, de troubles émotionnels et la douleur. [[] 13] Tant sa belle-mère et père est mort et son fils âgé de dix-sept ans Héctor Jr. a été accidentellement abattu par un ami. En outre, Lavoe a diagnostiqué le VIH, le virus peut évoluer vers le sida. Ces événements lui seraient pousser à la limite.[13]

Dans la nuit du samedi 25 juin 1988, Héctor devait effectuer au Coliseum Rubén Rodríguez Bayamón, Porto Rico. Ventes pour le concert étaient faibles, et Ralph Mercado, qui a été le promoteur de l’événement a décidé d’annuler le concert. [[] 2] Héctor, rebelle à la fin et sachant qu’il serait une dernières fois qu’il exécuterait à Porto Rico, a décidé, contre la volonté du promoteur, d’effectuer en face du public qui avait payé pour voir le maintenant annulée concert.[2]

Le jour suivant, le 26 juin 1988, Héctor a tenté de se suicider en sautant la neuvième étage de la régence hôtel Condado de Porto Rico. [[] 10] Aucune raison pour que cela n’était déjà déterminé. Il a survécu à la tentative, mais a partir de ce jour, il ne récupérerait jamais complètement comme le sida a commencé à ravager son corps en raison de la consommation de drogues par voie intraveineuse et partagé des aiguilles.[2]

En 1990, Héctor donne son dernier concert de gros, public, (avec la Fania All Stars) dans le New Jersey. [[] 9] Elle était censée être son concert de retour, mais Héctor pouvait chanter pas encore quelques notes de sa célèbre chanson « Mi Gente ». [[] 9] Il pense que son exécution publique finale était une brève apparition au club de le S.O.B. à New York, en avril 1992.[16]

Héctor meurt le 29 juin 1993, à l’hôpital de la ville de New York. La cause du décès a été diagnostiquée comme « une complication causée par le sida ». [[] 3] Initialement, il fut enterré dans un complot au cimetière de Saint Raymond dans le Bronx. En juin 2002, les organes de Lavoe et de son fils (décédé en 1987) ont été exhumés par demande de sa famille. Ils ont été enterrés dans son natif Ponce, avec sa veuve Nilda, qui meurt quelques semaines à l’avance. Les restes de Lavoe sont à la Cementerio civile de Ponce (cimetière Civil de Ponce), à la fin de la rue Eduardo Ruberte dans le Barrio Segundo.

[Modifier] Reconnaissance posthume

La vie du Lavoe a servi d’inspiration pour deux films biographiques. Le premier, El Cantante, est produit par deux des plus éminentes célébrités dans le genre musical : artiste salsa Marc Anthony, étoiles comme Lavoe et Jennifer Lopez : femme de Hector, Nilda (appelé « Puchi » par des amis proches). [[] 17] Le chanteur de salsa La India produisait également son propre film biographique de la vie du Lavoe, intitulée The Singer, avec l’acteur Raul Carbonell dans le rôle principal. [[] 18] La production de ce film a été suspendue en août 2008, après que le directeur, Anthony Felton, a signalé que le budget destiné au projet a atteint sa limite. En réponse, Carbonell a noté qu’il réexaminerait sa participation à la production si le travail est repris.[19]

En plus de ces films, une production de Broadway de sa vie intitulé ¿Quién mató un Héctor Lavoe? (Qui a tué Hector Lavoe?) a été un succès dans les années 1990. [[] 20] Il met en vedette la chanteuse Domingo Quiñones dans le rôle principal. [[] 21] Décision du Carbonell se distancier du film a été directement influencée par son implication dans une tour de Quien Mato un Héctor Lavoe? de Porto Rico, qui subissait des négociations qui sera présenté au Pérou et en Colombie. [[] 19] [[] 22] Un album hommage urbain est sorti fin 2007 et a été réalisé par plusieurs artistes reggaeton, comme Don Omar tout en voix de Lavoe de rééchantillonnage.[23]

Disques Héctor Lavoe
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1967 : El Malo – Willie Colón
1968 : The Hustler – Willie Colón
1969 : Guisando – Willie Colón
1971 : Cosa nuestra – Willie Colón
1971 : Asalto navideño – Willie Colón
1972 : El Juicio – Willie Colón
1973 : Asalto navideño Vol. 2 – Willie Colón
1973 : Lo Mato – Willie Colón
1975 : La V oz – Héctor Lavoe
1976 : The Good, The Bad & The Ugly – Willie Colón
1976 : De ti depende – Héctor Lavoe
1978 – Comedia – Héctor Lavoe
1979 : Recordando a Felipe Pirela – Héctor Lavoe
1979 : Feliz Navidad – Héctor Lavoe
1980 : El Sabio – Héctor Lavoe
1981 : Qué sentimiento – Héctor Lavoe
1983 : Vigilante – Willie Colón
1985 : Reventó – Héctor Lavoe
1987 : Strikes back – Héctor Lavoe
1989 : The Master & The Protege – Héctor Lavoe & Van Lester
¨Live¨ – Héctor Lavoe
As a Soloist

[edit] Posthumous Albums

  • The Master & The Protege with Van Lester (1993)[25]
  • Live! (1997)[25]
  • Tu Bien Lo Sabes* (With Lavoe’s never before released song « Tu Bien Lo Sabes ») (2001)[25]
  • Mi Regreso: Hector Lavoe Live at Club Borinquen (2005)[25]

[edit] With Tito Puente

  • Homenaje a Beny Moré Vol. 2 (1979) song: « Donde Estabas Tú »
  • Homenaje a Beny Moré Vol. 3 (1985) song: « Tumba Tumbador »

[edit] The Fania All Stars

  • Live at the Red Garter Vol.2 (1967) song: « Noche » with Pete « El Conde » Rodríguez, Ismael Miranda, & Adalberto Santiago
  • Live At The Cheetah Vol. 1 (1972) song: « Quítate Tu » with: Adalberto Santiago, Ismael Miranda, Pete « El Conde » Rodriguez, Santos Colon and Johnny Pacheco.
  • Live At The Cheetah Vol. 2 (1972) song: « Que Barbaridad » with Ismael Miranda.
  • Fania All Stars: Our Latin Thing-Soundtrack (1972) song: « Quítate Tu » with: Adalberto Santiago, Ismael Miranda, Pete « El Conde » Rodríguez, Santos Colon and Johnny Pacheco.
  • Fania All Stars Live at Yankee Stadium Vol. 1*(1975) song: « Mi Gente » recorded live at the inauguration concert of Roberto Clemente Coliseum, San Juan Puerto Rico 1974.
  • Fania All Stars Live at Yankee Stadium Vol. 2* (1975) song: « Congo Bongo » with Cheo Feliciano. Recorded live at the inauguration concert of Roberto Clemente Coliseum, San Juan Puerto Rico 1974.*One of the 100 most important recordings of the 20 century by the U.S. Congress Library.
  • Salsa, Original Motion Picture Sound Track Recording (1976) song: « Mi Gente » recorded live at the inauguration concert of Roberto Clemente Coliseum, San Juan Puerto Rico 1974.
  • Tribute To Tito Rodríguez (1976) songs: « Cuando, Cuando, Cuando » and « Vuela La Paloma » with Santos Colon, Ismael Quintana, Ismael Miranda, Justo Betancourt, Bobby Cruz, Pete « El Conde » Rodríguez & Cheo Feliciano.
  • Fania All Stars Live (1978) song: « Saca Tu Mujer » with Ismael Quintana, Santos Colon, Ismael Miranda, Cheo Feliciano, Celia Cruz & Justo Betancourt) Recorded Live at Madison Square Garden, New York, United States.
  • Habana Jam (1979) song: « Mi Gente / Barbarazo » with Wilfrido Vargas. Recorded Live at Karl Marx Theater, La Habana Cuba, March 3, 1979.
  • Commitment (1980) song: « Ublabadu ».
  • Latin Connection (1981) song: « Semilla de Amor ».
  • Lo Que Pide La Gente (1984) songs: « El Rey De La Puntualidad », « Por Eso Yo Canto Salsa » and « Usando El Coco » with Cali Aleman, Ismael Quintana, Ismael Miranda, Adalberto Santiago, Pete « El Conde » Rodríguez & Celia Cruz.
  • Viva La Charanga (1986) songs: « Me Voy Pa’ Morón », « Isla Del Encanto » & « Guajira Con Tumbao » with Ismael Miranda, Pete « El Conde » Rodríguez and Cali Aleman.
  • Bamboleo (1988) song: « Siento ».

Lavoe also sang chorus on three songs of Mon Rivera‘s album with Willie Colón, « Se Chavó El Vecindario / There Goes The Neighborhood » (1974), and in the song « Las Cadenas de Chuíto » on Jesús Sanchez Erazo’s album « Música Jíbara para las Navidades » (1978, re-released in 2000)

SOURCI WIKIPEDIA

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http://en.wikipedia.org/wiki/H%C3%A9ctor_Lavoe

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13 janvier, 2011

Lord KITCHENER-MERCI

Classé sous Non classé — manoretro @ 22:03

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MANO RETRO  VINYLE, DISQUE, CD,LORD KITCHENER
Album : MANO RETRO VINYLE, DISQUE, CD,LORD KITCHENER
Ses Plus Célèbres Chansons KITCHENER Martin Main Road,Pan en la mineur,Sugar bum bum,abeilles' Melody,M.kitch,Margie, Mon épouse Nuisette, Toco Band ,pan au 21ème siècle, buvez un rhum,67,Gimme de chose etc etc
106 images
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Lord Kitchener (ou « kitch »),

aldwyn Roberts Né Le 18 Avril 1922 –
Décédé Le 11 février 2000), mieux connu sous le nom stade Lord Kitchener (ou « kitch »),
fut l’un de la plus renommée calypsonians. Il est le fils d’un forgeron, Stephen et de la femme au foyer, Albertha
Vie

Succès de Kitchener a commencé après qu’il déménage en Angleterre en 1948. Sa renommée s’est poursuivie pendant les années 1950, lorsque le calypso atteint le succès international. Plus tard, cependant, il déménagea vers soca, un style connexe et a continué d’enregistrement jusqu’à sa mort. Compositions de Kitchener ont été extrêmement populaires comme les sélections choisies de bandes d’acier à effectuer lors de la compétition annuelle de Panorama National Trinidad Carnaval.

Kitchener émigré de Trinidad, passé six mois en Jamaïque avant de se rendre sur l’ Empire windrush au Royaume-Uni. En 1952, il a rencontré son épouse Marjorie. Pendant les années 1950, il a construit un vaste auditoire dans les communautés d’expatriés des îles antillais.

Kitch devint une figure très importante à ces migrants antillais d’abord 5000 au Royaume-Uni. Sa musique[[] 3] parle de la maison et une vie que tout le monde aspiraient pour mais dans de nombreux cas ne pouvaient pas ou ne serait pas revenir. Le 29 juin 1950, il a immortalisé le moment décisif pour un grand nombre des migrants en écrivant « Cricket, Lovely Cricket ». Cela a été une des premières chansons antillais largement connue et incarné un événement que l’historien et cricket amateur C. l. r. James définis comme cruciales pour les sociétés postcoloniales Antilles. La chanson, enregistrée plus tard par Lord débutant, est rarement créditée de Lord Kitchener, bien que Tony Cozier et nombreux qui ont assisté à l’ essai à L’ovale peuvent attester qu’il s’agissait d’une composition Kitch. En Angleterre, Kitch a commencé à travailler dans les pubs de Londres. Tout d’abord il y avait des difficultés avec le public anglais qui ne comprenait pas tous les mots, mais qui ne pas empêché Kitch, et après que la BBC lui donna l’occasion de diffuser, il s’installe pour les réservations de club et qu’il exécutait bientôt dans trois clubs chaque nuit.

Kitch revient à Trinidad en 1962. Il et le Bruant Mighty procède à dominer les compétitions de calypso des années soixante et soixante-dix. Lord Kitchener a remporté le concours de mars de route dix fois entre 1965 et 1976, des moments plus que toute autre calypsonian.

Depuis 30 ans, Kitchener a couru sa propre tente de calypso, Revue de la Calypso, par laquelle il a nourri le talent de nombreux calypsonians. Calypso Rose, David gouvernail, Staline noir et Denyse Plummer sont parmi les nombreux artistes qui ont fait leurs débuts sous tutelle de Kitchener.

Kitchener, qui a créé très populaire et mélodies sucrées, c’est un honneur avec une statue à Port of Spain. Il est enterré dans le cimetière de Santa Rosa de Arima. Un buste de l’artiste bien-aimé est également exposée sur l’Avenue Hollis Arima, non loin du stade Arima.

Fils de Kitchener, Noyau Roberts, est aussi un artiste, jouer de la batterie pour le plus grand groupe de soca dans le pays, Xtatik. Il est également leur directeur musical et compositeur de la marche de la route 2006.

Il est toujours important de Kitch tout au long de sa carrière à acquérir de nouvelles expériences qui pourraient être tissés dans son matériel. Ceci le conduit à des représentations à Curaçao, Aruba et Jamaïque au début jours et enfin à Londres, lorsqu’il était déjà flying high à Trinidad. Kitch a dit un jour: « J’arrive à la hauteur de ma popularité à la Trinité. Ce que je fais ici ? Je dois faire quelque chose. »

Fond

Vainqueur de la route de carnaval mars

Année

Chanson

1946

Saut de ligne

1963

La route

1964

Mama dis est Mas

1965

Mon Pussin’

1967

Soixante sept

1968

Miss touristiques

1970

Margie

1971

MAS au Madison Square Garden

1973

Rainorama

1975

Hommage à la Spree Simon

1976

Femme de drapeau

Vainqueur du monarque Calypso

Année

Chanson 1

Song 2

1975

Hommage à la Spree Simon

Fièvre
——————————————LANGLE ANGLAIS———————————-

Lord Kitchener (calypsonian)

Aldwyn Roberts (18 April 1922 – 11 February 2000), better known by the stage name Lord Kitchener (or « Kitch »), was one of the most internationally famous calypsonians.[1] He was the son of a blacksmith, Stephen, and homemaker, Albertha.[2]
Life

Kitchener’s success began after he moved to England in 1948. His fame continued throughout the 1950s, when calypso achieved international success. Later, though, he moved towards soca, a related style, and continued recording until his death. Kitchener’s compositions were enormously popular as the chosen selections for steel bands to perform at the annual National Panorama competition during Trinidad Carnival.

Kitchener emigrated from Trinidad, spending six months in Jamaica before traveling on the Empire Windrush to the UK. In 1952, he met his wife Marjorie. During the 1950s he built a large following in the expatriate communities of the West Indian islands.

Kitch became a very important figure to those first 5000 West Indian migrants to the UK. His music[3] spoke of home and a life that they all longed for but in many cases couldn’t or wouldn’t return to. On June 29, 1950, he immortalised the defining moment for many of the migrants in writing « Cricket, Lovely Cricket ». This was one of the first widely-known West Indian songs, and epitomised an event that historian and cricket enthusiast C. L. R. James defined as crucial to West Indian post-colonial societies. The song, later recorded by Lord Beginner, is rarely credited to Lord Kitchener although Tony Cozier and many who attended the Test at The Oval can attest that it was a Kitch composition. In England, Kitch started out working in London pubs. At first there were difficulties with English audiences who did not understand all the words, but that did not deter Kitch, and after the BBC gave him a chance to broadcast, he moved on to club bookings, and was soon performing in three clubs every night.

Kitch returned to Trinidad in 1962. He and the Mighty Sparrow proceeded to dominate the calypso competitions of the sixties and seventies. Lord Kitchener won the road march competition ten times between 1965 and 1976, more times than any other calypsonian.

For 30 years, Kitchener ran his own calypso tent, Calypso Revue, by which he nurtured the talent of many calypsonians. Calypso Rose, David Rudder, Black Stalin and Denyse Plummer are among the many artists who got their start under Kitchener’s tutelage.

Kitchener, who created highly-popular and sweet melodies, is honoured with a statue in Port of Spain. He is buried in the Santa Rosa Cemetery in Arima. A bust of the beloved entertainer is also on display on Hollis Avenue, Arima, not far from the Arima Stadium.

Kitchener’s son, Kernal Roberts, is also a performer, playing drums for the biggest soca band in the country, Xtatik. He is also their musical director and composer of the 2006 Road March.

It was always important to Kitch throughout his career to gain new experiences that could be woven into his material. This led him to performances in Curaçao, Aruba and Jamaica in the early days, and finally to London, when he was already flying high in Trinidad. Kitch once said: « I have reached the height of my popularity in Trinidad. What am I doing here? I should make a move. »

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MANO & KIT-1999
Album : MANO & KIT-1999
MANO RADIO CARAÏBES & LORD KITCHENER TRINIDAD & TOBAGO NOVEMBRE 1999
65 images
Voir l'album

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[edit] Merits

Winner of Carnival Road March
Year

Song

1946

Jump in Line
1963

The Road
1964

Mama dis is Mas
1965

My Pussin’

1967

Sixty Seven

1968

Miss Tourist

1970

Margie

1971

Mas in Madison Square Garden

1973

Rainorama

1975

Tribute to Spree Simon

1976

Flag Woman
Winner of Calypso Monarch

Year

Song 1

Song 2

1975

Tribute to Spree Simon

Fever
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12 janvier, 2011

Dr Sir Warrior – MERCI

Classé sous Non classé — manoretro @ 21:42

drorientalbrothersmerci.jpg 

Dr Sir Warrior

Obinna Christogonus Ezebuiro (1947, État de l’OMI, Nigeria – 2 juin 1999), le Dr Ultimate Sir Warrior, fut le leader de l’ Oriental Brothers International Band qui a gouverné la scène highlife nigérian pendant plusieurs décennies. [[] 1] Il modernise la musique highlife. Son style reste une incarnation de musique définie avec sens, direction et le but. Il joue à plusieurs reprises au Nigeria ainsi que sur la scène internationale dans des villes comme Londres et les États-Unis d’Amérique.

Image de prévisualisation YouTube
À l’âge de 27 ans en 1974, guerrier a enregistré une marque indélébile avec son genre universellement reconnu. Son album de 1975 Nwa Ada Di Mma avec huit pistes a touché le cœur et l’âme du monde. La sortie de cet album lui établie immédiatement comme un maître de musique. Il croyait que Dieu a créé lui d’être un musicien. Ainsi, il a dédié toute sa vie au service de l’humanité par le biais de sa musique. Ses travaux lui a valu plusieurs prix dans le monde entier. Ses mots d’esprit souvent épicés avec Igbo Proverbes ont été appréciés par tout autant qu’il a appelé la Star ultime de la musique.

La Fantasia Oyorima

Obinna Christogonus Ezebuiro, UDSW
Combinant Igbo chant avec guitare habile et une section rythmique solide, guerrier créé un style unique de musique qui, pour beaucoup de gens, est le bruit définitif de musique highlife. Plusieurs référence à lui la tête de Highlife ultime. Tôt dans la vie, il a été reconnu comme un prodige. Par 11, il a été recruté en tant que membre du groupe choral masculin se spécialisant dans une forme de musique appelée Èsè. Par 16, il fut célèbre pour sa grande voix et sa maîtrise de la musique de Èsè.

Dr Sir Warrior était un des guitaristes plus doués d’Afrique. Il a écrit et composé de nombreuses chansons. Personnes lui demande comment il a pu libérer de nombreux albums dans un laps de temps. Il dit que la première chose ne pas à forcer le soi pour obtenir tout à la fois. Au lieu de cela, a-t-il ajouté, il laisse l’esprit de se sentir la libre circulation de l’information qui ont formé un modèle souple des vagues pour les sens. Grâce à l’apprentissage rigoureux, il a organisé sa musique appropriée à l’auditoire. En 1987, Eze Nri voulait lui de la Couronne du roi de Highlife. Mais Sir Warrior a rejeté l’offre, en disant que « un roi est né naturel, ne pas couronné. »

Guerrier a été l’un des musiciens plus influents pour sortir en pays Igbo et l’un des plus célèbres dans le monde. Il commence à jouer de la guitare dans les années 1960, divertir les gens dans les villages et les villes. Sa chanson sonore Ana M Ele Chi reste à feuilles persistantes. Par le biais de sa musique, il a déroulé la culture Igbo au monde. Il avait toujours un sens de la révolution, comme il a créé une marque de highlife c’est-à-dire Igbo au cœur et en même temps universel au goût. Il introduit le concept de Oyorima comme une définition de sa philosophie de la musique dans les délais géo-spatiale. Oyorima est un mot Igbo qui signifie un sentiment raffiné de mouvement rythmique et équilibre. Voir le Dr Sir Warrior dans youtube
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Dr.Sir Warrior-MERCI
Album : Dr.Sir Warrior-MERCI
Christogonus Ezebuiro Obinna (1947, état de l'OMI, Nigeria – 2 juin 1999), le Dr Ultimate Sir guerrier, a été le leader du groupe Oriental Brothers International
6 images
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Biographie

Dr Sir Warrior était de Umuhu Enyiogugu dans la zone d’administration locale de Aboh Mbaise de l’OMI État au Nigeria. Son nom, Obinna, signifie « Father´s Heart » (esprit de Dieu). [[] 2] L’homme a commencé sa carrière musicale comme une partie des groupes plus réussis au Nigeria dans les années 1970, le groupe Oriental International des frères. Plus tard, le groupe éclatée, menant à Prince Ichita le Grand Oriental Brothers International Band, Oriental Brothers International et ensuite l’original Dr Sir Warrior & His Oriental Brothers International, appelé simplement The Oriental Original. Discographie du guerrier est lumineuse avec plus de 100 titres qui continuent d’être de grands succès. Il avait environ 12 hits or platine et 10 dans sa carrière. [[] 3] Son album de 1978 Nwanne UTA Enyi alla or, vendant plus de 7,8 millions d’exemplaires.

Surtout, les frères Oriental composé de Godwin Kabaaka Opara, Ferdinand Dansatch Emeka Opara, Nathaniel Ejiogu, Hybrilious Akwilla Alaraibe, Prince Ichita et Christogonus Ezebuiro « Guerrier » Obinna. Ejiogu est mort peu de temps avant le succès de la bande. La première scission au sein du groupe s’est produit en 1977, lorsque les membres fondateurs Dansatch Opara et le Prince Ichita quittés pour démarrer leurs propres bandes sous le surnom de frères Oriental. Les frères Opara rejoint la bande du guerrier de la célèbre et distingué, The Oriental Original.

Bien que chacun des groupes avait leurs sons distincts, ils sont tous partagent passion de la bande erstwhile pour le mélange des congolais de la guitare et les rythmes traditionnels de Igbo. À une époque de perte immense et de la grande lutte après la Guerre du Biafra, les frères Oriental a offert une rare lueur d’espoir. Selon le magazine Kwenu de Igbo, « les frères orientales jouent un rôle spirituel très important dans le maintien de nombreux Igbo sain d’esprit. Ils étaient la fierté d’un peuple traumatisé par une guerre tellement vicieuse. »

[Modifier] Style, paroles et musique,

Guerrier a généralement un contrôle compact de sa musique au rythme de la première à la dernière. Personnes le décrit comme un musicien qui occupe la scène centrale, touchant le droit issues de la bonne manière et au bon rythme. Il était un chant figure nationale pour l’unité, paix et le progrès. Son album de 1980 Obi Nwanne était un message d’espoir pour son pays. Il fait appel aux gouverneurs des États et le président pour la transparence continue dans le processus de leadership. Sir Warrior continuellement s’est tenue en haute estime, comme l’un des rares artistes avec un instinct inné de la nature de la note musicale. Avec sa personnalité et le style de guitare, il attire de nombreux fans du monde entier. La philosophie de cet homme peut être résumée dans les 10 préceptes suivants :
1.« Le changement est inévitable »
2.« Personne ne voit tout ou a tout »
3.« Personne n’est une île »
4.« Le sage choisit selon sa capacité »
5.« Le succès humblement pousse vers l’extérieur à partir de son créneau »
6.« D’humilité et de patience raisonnée ne signifient pas faiblesse ou peur »
7.« Tout le monde mérite traitement décent, le bénéfice du doute et même une seconde chance »
8.« La liberté pour tous et le bien commun est les fondements du progrès »
9.« Notre message est pour l’amélioration du monde. »
10.« Chaque loi ou la pensée a sa répercussion et récompense »

[Modifier] Perfectionner le Beat

La musique du Sir guerrier a montré un mélange uniforme de lustre et classe. Perfectionner le rythme était l’ordre de son groupe. Quelque chose facilement remarquer est que les chansons du guerrier sont généralement plus rapide et brisker que celles de ses contemporains Igbo. L’architecture tonal, la mélodie et l’harmonie de sa musique sont peut-être les plus grands de l’histoire de la musique highlife. Il a intégré thèmes superbes dans chacun de ses chansons. L’allegro a été surtout équipé à travers les doigts du guitariste Dansatch Emeka Opara, qui, sur la mort du guerrier, pleuré et a dit, « J’ai senti que j’avais perdu un joyau rare, un chanteur puissant ». [[] 1] Guerrier intégré divers hangars de highlife qui se rapportent à diverses séries de l’âge et à diverses occasions. C’est pour ces raisons que ses chansons restent dans une telle demande élevée. Son album de 1978 Nwanne UTA Enyi est le meilleur highlife Igbo jamais. Cet album a manifesté un travail de guitare englobant. C’était un rythme fin, et elle a vendu plus de toute musique Igbo. En 1987, la piste Onye Egbula Nwanne Ya immédiatement allé or. Le style de guitare épicurien de cette piste transporté highlife musique à un autre niveau. Il y a des œuvres pour piano riche dans ces pistes luxueuses comme Anyi Ga-Ebi et Kwukwaa Eziokwu. Comme un autre testament de son originalité, guerrier distingue une fois de plus avec sa libération 1994 de Ofe Owerri. L’album marque un jalon dans la révolution de la musique de highlife, comme il employait grandeur de battement si fascinant qu’elle a voté la musique Igbo de l’année. La piste Uwa Chiga Achiga de cet album très reste un favori de tous les temps.

Cette personnalité généreuse, érudite et très sympathique parle souvent de l’importance de cruauté et de charité pour le moins privilégié. Un homme de nombreux titres et grande richesse, guerrier lui-même construit des canaux par lesquels il donna retour à la société. Il a étendu sa main de bonne volonté à l’église et formé des organisations qui ont aidé les nécessiteux. Il met l’accent sur la justice et la dignité de l’homme. Il a demandé si l’existence elle-même est vaut. Parmi ceux-ci, il a conclu que « nous avons dans ce monde au Centre de la nuit, et qui est la racine du problème ». En d’autres termes, notre vision est très limitée. Ainsi, nous ne pouvons être absolument certains de quoi que ce soit. Néanmoins, il a dit que faire l’expérience d’existence est mieux que pas. Comme le monde est glissant, il chante, on rencontre à la fois le bon et le laid: A gbakwuru ajo mmadu, un mmuo d’ajo gbakwuru. Et pour ceux qui ne voient jamais le bon côté de la vie, il leur a rappelé que « c’est avec l’accumulation d’un bon moment sur terre qu’on s’écarte de l’autre dimension ». Par conséquent, il faut savoir qu’il n’y a personne pour qui c’est bon. On devrait être heureux et jovial et prendre les choses faciles étape par étape sans harceler et beaucoup de bruit. Sir Warrior croyait au pouvoir de réflexion auto. Il a félicité les âmes qui ont choisi de faire le bien. Il s’agissait de sa philosophie fondamentale de la sagesse.

[Modifier] Carrière réussie

Dr Sir Warrior est le père de l’instrumentation moderne highlife. Ses œuvres sont actuellement étudiées et classées. Universitaires Igbo se sont rassemblés pour inclure l’apprentissage des paroles de la légende sujet de musique dans le curriculum. Son voyage sur la Terre produit des tons belles et éternelle. Il a vécu une vie épanouie en posant les bases de la musique moderne highlife et aidant à évoluer à un niveau supérieur. Sir Warrior est le premier artiste de musique highlife vers le Royaume métaphysique d’engins. Dans le monde de Igbo, highlife est la musique qui allie tradition avec vérité universelle et sentiment métaphysique. C’est comme la forme Igbo de Musique classique, et Sir Warrior a contribué à rendre l’écoulement dans cette direction.

L’éclat de cette magnifique maestro conserve inspirer beaucoup de ceux qui le considèrent comme l’un des plus grands musiciens highlife Igbo du XXe siècle. Il a quitté en 1999 et est immortalisé avec l’ OMI État Heartland FM [100,5 MHz][[4] dédié à jouer ses traces. Il a survécu par femme Chiamaka Obinna et les enfants. Son fils Uche Obinna et Ajuzieogu Obinna et son frère empereur Teddy Obinna ont pris après lui.

En parlant de lorsque Sir Warrior était vivant, Uchenna son premier enfant dit, « il ne permettait pas nous intéresser à la musique. Il voulait que nous emporter notre éducation. Il serait toujours soulignent que l’éducation était le meilleur héritage, autres choses pouvaient suivre plus tard ». [[] 5] Le jeune Ajuzieogu savait qu’il serait un jour être un musicien highlife comme son père. A poursuivi les deux diplômés de l’Université d’État Abia , « tant que nous avons l’intention de poursuivre la musique comme carrière nous seront toujours respecter avec le souhait de notre père ». Rapidement après la sortie du guerrier, artistes compagnons highlife savait que ce serait long avant émerge d’une autre personne de sa qualité. Son héritage a été résumée par Oliver De Coque, qui, en rendant hommage au Dr Sir Warrior, a dit, « il était une personne très bonne et aimable. Nous avons perdu tel un génie en highlife. »  Il est mort après une bataille avec le diabète. 

Discography

  • Ihe Chi Nyere M (1974)
  • Ikoro (1974)
  • Ochu Okuko New Ada (1974)
  • Uwa Atuola M Ujo (1974)
  • Akwa Uwa (1975)
  • Ana M Ele Chi (1975)
  • Chi Abu Ofu (1975)
  • Nwa Ada Di Mma (1975)
  • Nwaanyi Di Ya Bu Eze (1975)
  • Onye Oma (1975)
  • Onye Si Naani Ya Biri (1975)
  • Onwetereni Nye Ibe Efe (1975)
  • Taxi Driver (1975)
  • Uwa M Ezi Special (1975)
  • Onye Oma Mmadu (1976)
  • Rarama Ndu (1976)
  • Uba Di Iche Iche (1976)
  • A Luta Agbogho (1977)
  • Aku Udo (1977)
  • Ihe E Me Uwa Adi Mma (1977)
  • Ihe Oma (1977)
  • Ihe Onye Eche (1977)
  • Kelee Chi (1977)
  • Murtala Muhammad (1977)
  • Ndidi (1977)
  • Nkwa, Part One (1977)
  • Nkwa, Part Two (1977)
  • Nne Di N’Obi (1977)
  • Nwoke Ezu Ike (1977)
  • Ofu Nnwa (1977)
  • Oke Na Olulu (1977)
  • Onye Ma Uche Chukwu? (1977)
  • Onye Oma Mmadu Na Eji Egbu Ya (1977)
  • Oriental’s Special (1977)
  • Origbu Onye Ozo (1977)
  • Osa Enwe Akwu (1977)
  • Ugwu Mmadu Na Nwanne Ya (1977)
  • Uwa Enwe Mmete (1977)
  • A Ma Onye Bu Onye? (1978)
  • Elu Rie, Ala Rie (1978)
  • Ibe Zi M Ako (1978)
  • Nwanne Awu Enyi (1978)
  • Onye Egbula Onye Agbataobi Ya (1979)
  • Ozo Bu Iwe M (1979)
  • A Na Eri Aku (1980)
  • Ebele Onye Uwa (1980)
  • Hapu M Ka M Biri (1980)
  • I Nye M Ugwu M (1980)
  • Obi Nwanne (1980)
  • Onye Oma Mmadu (1980)
  • Akwamibo (1981)
  • Ebee M Akwa Uwa (1981)
  • Ndo Ma Ike (1981)
  • Onye Obula Zoba Isi Onwe Ya (1981)
  • Onye Oma (1981)
  • Oriental Original (1981)
  • Udo Ka Mma (1981)
  • Chi Awu Otu (1982)
  • Ihe Onye Che (1982)
  • Jide Nke Gi (1982)
  • Ome Mma Special (1982)
  • Onye Boro Chi (1982)
  • Agwo Loro Ibe Ya (1983)
  • Mesaba Ahu (1983)
  • Mmadu Mezie Ndu Ya (1983)
  • Nnwa Enwe Nne (1983)
  • Omumu (1983)
  • Onye Ije (1983)
  • Onye New Ala (1983)
  • Ugo Chi Nyere M (1983)
  • Ego Ka Mma N’Okorobia (1984)
  • Ihe E Ji Aku Eme (1984)
  • Ndi Ji Ego (1984)
  • Uwa Di Egwu (1984)
  • Uwa Sef! Part One (1984)
  • Uwa Sef! Part Two (1984)
  • Anyi Di Odo (1985)
  • Chi Na Eme Mma (1985)
  • Nne na Nna (1985)
  • Akaraka (1986)
  • Ndi Adudu (1986)
  • Anyi Abiala (1987)
  • Onye Egbula Nwanne Ya (1987)
  • Lekwe Nu M (1988)
  • Nakwa Echeki (1988)
  • O Ruole (1988)
  • Onye Huru Chi M Anya? (1988)
  • Udo Ndi Oma (1988)
  • Ezi Nwanne (1989)
  • O si na Chi (1989)
  • Heavy On The Highlife (1990)
  • Owerri Wu Oke Mba(remix)(1990)
  • Onye Di Mma N’Azu? (1993)
  • Nke Onye Diri Ya (1993)
  • Warrior Abiala Ozo (1993)
  • Ochichi Nigeria (1994)
  • Ofe Owerri (1994)
  • Omegbu Nwa Ogbenye (1994)
  • Uwa Chiga Achiga (1994)
  • Anyi Ga Ebi (1995)
  • Kwukwaa Eziokwu (1995)
  • Mmanwu Egbu Special (1995)
  • Onye Ike Kwere (1995)
  • Imo & Abia Special (1996)
  • M Noro M Ele Uwa (1996)
  • Obi Ejile Ekwele M (1996)
  • Oko Nke Gi (1996)
  • Orientals Ga Ebi (1996)
  • Who Goes There? (1996)
  • Uwa Bu Uke Onye? (1996)
  • Zik (1996)

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SOURCE WIKIPEDIA

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http://en.wikipedia.org/wiki/Dr_Sir_Warrior

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Isaac OVIEDO-MERCI

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OVIEDO, Isaac (Sabanilla 1902-La Havane 1992)

A douze ans Isaac OVIEDO joue déjà de la guitarre et du laud qu’il a appris à l’école de la rue. A ce moment il rencontre un tresero santiaguero. L’instrument de ce musicien, qu’il voit pour la première fois lui plait et Isaac pose des questions, notamment sur la façon dont il doit être accordé et entreprend de transformer sa guitare en tres. Il pratique toute une année et se retrouve face au musicien santiaguero qui lui demande où il en est. Isaac lui joue « Engancha carretero ». Le niveau atteint par Isaac OVIEDO est excellent et continuant à ftravailler il progresse encore, jouant et chantant également dans la région. Il organise en 1922 avec le guitariste Julio GOVÍN, une bunga, comme on nommait les formations traditionnelles à cette époque qu’ils baptisent « SEXTETO MATANCERO ».
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Le sexteto est composé en grande partie de cousins et amis et Isaac s’installe avec le groupe à La Havane en 1924 jouant dans les fritas de la plage de Marianao.
En 1926 lorsque le guitariste Graciano GÓMEZ perd le tresero avec lequel il joue en duo, Santiago SMOOD, il appelle Isaac pour reconstituer le duo avec lequel, patronné par la bière Yale, il passe dans les bars de la vieille Havane et au trés renommé Café Vista Alegre. Isaac est capable de jouer tous les genres cubains et espagnols, du Son au Paso doble en passant par la musique nord-américaine de l’époque. Il compose depuis l’âge de douze ans et ne cesse d’écrire depuis: « Yuya », « Tu me conociste asi »,  » Mi botija », « Ta’José »… Isaac est aussi un excellent chanteur de Son.

Le « SEXTETO MATANCERO » devenu septeto, interprète et enregistre ses compositions. Vers 1934 le septeto cesse d’exister. Avec son camarade Graciano et pour pouvoir continuer à vivre de la musique ils vont faire évoluer leur duo selon les besoins et les propositions de travail qu’on leur offre. Ainsi on verra naître un trio, un cuarteto, un quinteto et un conjunto s’articulant autour de l’appelation « GÓMEZ-OVIEDO » et désormais, jusqu’à ce que Graciano renonce en 1972, la carrière de Isaac OVIEDO est liée à celle de son ami.

Deux ans après que Graciano se soit retiré, Isaac fait de même estimant que seul Graciano était capable de jouer avec lui et avec l’état d’esprit qui les avait accompagné durant plusieurs décennies. Il se retire à son tour. Son fils Ernesto enregistre en 1984 plusieurs de ses compositions. Isaac disparaît en 1992.

© Patrick Dalmace
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11 janvier, 2011

Daniel SANTOS -MERCI

Classé sous Non classé — manoretro @ 12:47

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Daniel Santos (chanteur)

Daniel Santos (5 Février 1916 – 27 novembre 1992) est un chanteur et compositeur de boléroset un interprète globale de plusieurs genres de musique Caraïbes , y compris la guaracha, plena et rumba. Au cours de sa carrière, il a adopté plusieurs noms créés par le public et devint connu comme « El jefe » et « El inquieto anacobero ».

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Premières années

Santos est né et a grandi avec ses trois sœurs, Sara, Rosa Lydia et Luz Amérique[[] 1] en Trastalleres, une section pauvre de Santurce, Puerto Rico. Il fréquente l’école primaire de Las Palmitas. Bien qu’il faisait bien à l’école, son père que Rosendo a emmené l’école quand il était en quatrième année et le força à briller chaussures en raison de la pauvreté de sa famille.[2]

En 1924, sa famille s’installe à New York City , la recherche d’une meilleure façon de la vie. Quand ses parents, Rosendo et Maria lui inscrits à l’école, il avait démarrer à partir de la première année encore parce qu’il ne savait pas suffisamment anglais. Santos rejoint chorale de son école secondaire, mais il a abandonné l’école secondaire dans sa deuxième année et déplacé hors de l’appartement de ses parents. Alors qu’il était âgé de quinze ans, il a commencé à chercher du travail à Manhattan.[3]

Santos s’installe dans un petit appartement, où, un jour, il commence à chanter « Te quiero, dijiste » (vous avez dit ‘Je t’aime’). Membre du Trio Lirico passait et lui faire entendre chanter, il frappa alors à porte de Santos. Le membre du trio invités Daniel pour rejoindre le trio et il a accepté. Santos a fait ses débuts avec eux le 13 septembre 1930, il chante dans divers événements sociaux et était payé un dollar pour chaque chanson qu’il chante.[[] 2] Il revient à Porto Rico pour revenir une fois de plus à Manhattan, après qu’il a essayé en vain d’acquérir un emploi comme un chanteur à WKAQ, qui était l’une des stations de radio principale de l’île.[3]

[Modifier] Carrière musicale

[Modifier] « Cuarteto Flores « avec Pedro Flores

En fin de 1933 et 1934, Santos effectuée dans une boîte de nuit nommé los chilenos situé près de Broadway et payer vingt dollars par semaine.[[] 3] Personnellement, Santos a mené une vie d’excès, notamment l’entretien des relations amoureuses plusieurs à la fois. En 1938, Santos travaillait le cubain Cabaret du Casino à Manhattan, qui était normalement visités par les Portoricains et autres Latinos. Ses tâches ménagères inclus chanter, en attente sur les tables et reprises, qu’il a été le maître de cérémonie pour lequel il était payé un salaire de trente dollars. À une occasion, il chante « Amor Perdido » (l’amour perdu), sans savoir que le compositeur de la chanson Pedro Flores était dans l’auditoire. Flores aimé ce qu’il a entendu et a invité Santos à rejoindre son groupe « El Cuarteto Flores », qui a également inclus myrta Silvaet serait à l’avenir également inclure Pedro ortiz davila (également connu sous son nom de scène « davilita »).[[] 2] Santos enregistré plusieurs chansons avec le Cuarteto Flores et a commencé à gagner de renommée. Parmi les chansons il enregistra étaient: « Perdon » ; « Amor » ; «El Ultimo Adios», « Si Yo Fuera Millonario »par le chanteur/compositeur Miguel poventud et Borracho aucune Vale’.[[] 2][[4]

[Modifier] Participation à la seconde guerre mondiale

Audio externe

Vous peut écouter chanter Santos « Linda » ici

Dans les années 1940, de jeunes hommes de Porto Rico ont été rédigées pour seconde guerre mondiale, parmi eux Santos. Santos enregistré « Despedida » (My adieu), une chanson d’adieu écrit par Flores du point de vue d’une recrue de l’armée qui devait laisser derrière sa petite amie et sa mère malade, qui devenue un succès.[[] 2] Santos rappelé dans une interview, une fois qu’il fallait retenir les larmes lors de l’enregistrement de la chanson, puisque ses papiers de projet venait d’arriver et il devra bientôt vivent une situation semblable à ce qui décrit les paroles de la chanson, mais qu’un ami a commencé à se moquant de lui sur le stand de contrôle, à laquelle il a décidé de lui maudire sur place, trading le mot mama’o (un juron en espagnol de Porto Rico) pour mamá (mère). Cet incident a produit deux manières que Santos a finalement adopté dans sa façon de chanter : haché de livraison (presque syllabe par syllabe, comme le suggère Flores) et étiré dernière voyelle dans le dernier verset de chaque strophe, dans presque chaque chanson par la suite, il a enregistré.[2]

Il a été envoyé à l’île de Maui , après avoir terminé sa formation militaire de base dans le Kentucky. De Maui, il est affecté au personnel médical. Alors que dans le militaire Santos équipe avec Juanito Jiménez dans le cadre d’un duo doublé de los Cumbancheros.[[] 3] Après que la guerre a conclu que Santos retourne à New York, où il a reçu un hommage à son arrivée. Il il a enregistré « Linda », écrit spécialement pour lui par Flores pour l’une des anciennes amies de Santos.[5]

[Modifier] Représentations internationales

Santos devient actif dans le Mouvement d’indépendance de Porto Rico et s’est identifié avec le Parti nationaliste de Porto Rico et son président Pedro albizu Campos après qu’il a été libéré de l’armée en raison du préjudice qu’il a subis au sein de l’ armée.[[] 3] Son dévouement pour Albizu a duré tout au long de sa vie, au point de mise en service, plus tard dans sa vie, une statue grandeur de Albizu pour sa succession de Floride. Avec Davilita, il a enregistré « Patriotas » (« patriotes ») et « La Lucha por la Independencia de Puerto Rico » (« La lutte pour l’indépendance de Porto Rico »), qui a été adoptée par un des poèmes de Juan Antonio corretjer.[6][7]

Le mars 1946, Santos a inauguré un bar et un restaurant nommé Borinquenet placée sous l’égide l’établissement pendant quelques semaines. Deux mois plus tard, il a commencé à chanter de la musique mexicaine et boléros à Greenwich Village.[[] 3] Plus tard cette même année, il a visité la République dominicaine, où il avait des problèmes juridiques et a été emprisonné brièvement.[3]

[Modifier] Santos à Cuba

Par ce temps Santos’ fame avait grandi et il a décidé de se rendre à Cuba, établissant une résidence à la Havane. À l’heure actuelle, Cuba était une croissance économique et Santos a développé un intérêt dans l’île. Dès son arrivée, il a connu le succès, faire des présentations dans le Paseo del prado, Miramar et Vedado.[[] 3] Mentionnons une présentation spéciale intitulée alegrias de hatuey, qui a été diffusé par « Radio Progreso », une station de radio. Il a participé et chante pour plusieurs autres stations, y compris RHC Cadena Azul et C.M.Q., où il a participé à un programme nommé Cascabel.[[] 3] Cette exposition est venue après qu’il a établi des liens d’amitié avec des personnalités publiques locales.[[] 3] Les Cubains publics créés deux noms adoptées par Santos, ceux-ci ont été Inquieto et Anacobero, qui plus tard, il fusionnés et devint connu comme El inquieto anacobero.[[] 3] Il a également fait cinq exposés dans les salles, parmi lesquels le théâtre Martí.[3]

Le 1948, Santos a été invité à jouer dans le Palais National cubain par le Président en exercice, Carlos prío socarrás. Cette année marque aussi les débuts de la Santo avec la sonora matancera, où il a servi comme chanteur. Son premier single réussie a été intitulé bigote de gato, basée sur une superficie de la Havane, nommée « luyano », qui était tristement célèbre pour servir de la maison pour les diseurs. Plus tard cette année Santos a été arrêté après avoir été impliqué dans une bagarre où il accidentellement blessé une femme après avoir tenté de se défendre.[[] 3] Santos a été par la suite été gracié par Prío Socarrás, mais il a demandé de rester en prison douze jours supplémentaires pour passer de la célébration de Noël avec certains des détenus.[[] 3] Alors qu’en prison, il compose un seul nommé de El Preso et a demandé d’écrire Amnistía dans le cadre d’une campagne visant à promouvoir le bien-être des détenus. Cela a été suivie de plusieurs productions à succès avec la Sonora Matancera.[[] 3] Il s’agissait notamment de gardenias Dos et Pa’ fricasé los pollos, qui reposaient sur la musique cubaine. Parmi plusieurs autres documents contemporains : El juego de la vida, y El 5 6, El ajiaco, El niño majadero, campeón Ramoncito et El tíbiri tábara.[2]

Alors qu’à Cuba, il compose la chanson « Sierra Maestra », lequel fidel Castro a adopté comme l’hymne officiel de la 26 juillet mouvement, qui était toujours transmis par le biais de « Radio rebelde » (Rebel Radio) tous les matins. Le 10 mars 1952, fulgencio batista organisé un succès de coup d’état et a pris le contrôle du gouvernement de l’île. Suite à cet événement Santos temporellement abandonné Cuba comme une mesure de sécurité pour empêcher toute tentative d’assassinat et déplacé à Tampa, Floride.[3]

[Modifier] Retour à Porto Rico

Il revient à l’île plus tard cette année et a commencé une tournée internationale le 1953, parmi les pays visités était le Venezuela, la Colombie et le Mexique.[[] 3] En 1954, il revient à Porto Rico et exécutées dans les hôtels situés à San Juan, avant de poursuivre sa tournée à travers l’Amérique qui s’étendait de 1955 à 1956. La tournée a conclu avec une présentation à New York et il a son retour à Cuba.[[] 3] Plus tard cette année, il visite l’Équateur pour la première fois de sa carrière artistique. Ici, il a été contracté à effectuer dans un théâtre nommé « Apolo », où il a travaillé avec un groupe nommé la « Costa Rica Swing Boys ». Au cours de sa troisième présentation que Santos a perdu sa voix sans compléter le spectacle régulier, il a tenté d’expliquer la situation au public, mais n’a pas pu calmer et une émeute éclate.[[] 3] Alors qu’en Équateur, il compose deux singles réussies, pa Cataplum’ et Cautiverio.[[] 3] À la fin de 1956, Santos a enregistré avec un label vénézuélien , nommé « discomoda ». En 1959, il brièvement retourné à Cuba et travaille à New York et Puerto Rico avant d’établir un restaurant à la Havane. En 1962, Santos a abandonné l’île après que son restaurant a été nationalisé par le gouvernement, cela a été combinée avec les autres désaccords avec administration de Castro.[[] 3] Le 22 juillet 1972, il a joué dans la cérémonie d’inauguration de El balcon del Pueblo, un bâtiment appartenu à Radio Cristal, qui se trouvait à Guayaquil.[[] 3] Dans cette activité, il a joué pendant deux heures consécutives, une heure supplémentaire due à des éloges publics de travail.[3]

[Modifier] Années plus tard

Durant les dernières années de sa vie, Santos a visité les États-Unis et l’ Amérique latine, tout en rencontrant des problèmes de santé. Il continue à jouer avec plusieurs groupes de musique. Alors qu’il a joué avec le sonora matancera, Santos a subi une crise cardiaque alors qu’il dormait dans un hôtel situé dans La reforma après avoir mangé le dîner.[[] 3] Santos continue à jouer au cours des décennies suivantes, faire des présentations dans plusieurs pays d’Amérique latine . Il continua à chanter des chansons qu’il avait écrit au cours de sa carrière jusqu’à ce que finalement, il se retire et établi une résidence en Floride.

En 1991, Santos a visité quelques amis dans de la ville de New York Barrio Latino, au cours de cette visite que Santo se promenait dans la rue un samedi soir quand il s’évanouit et s’est effondrée. Il a réuni des passants et des résidents du quartier qui a appelé le Service de Police de New York City.[[] 3] Lorsque la police est arrivée sur les lieux qu’ils lui transporté à l’hôpital local, Santos a été libérés deux jours après. Pendant ce temps, Santos a été également souffrant de maladies mentales, y compris la perte de mémoire en raison de la maladie d’Alzheimer.[[] 3] Malgré sa santé, il a fait des présentations finales dans certaines municipalités de Porto Rico, où il a obtenu les reconnaissances de San Juan et Ponce.[[] 3] Santos a également été invité à participer à un festival de musique à Cuba, où il devait pour recevoir un hommage, mais il n’a pas pu y assister.[3]

Au cours de sa vie, Daniel Santos a été légalement marié à douze reprises.[[] 3] Son premier mariage a eu lieu en 1934, où il épousa Lucy Montilla, alors qu’il était âgé de dix-huit ans. Après cela, il a participé à plusieurs relations avec les femmes de plusieurs pays d’Amérique latine, reprises ayant plus d’une consécutivement.[[] 3] Alors qu’il était âgé de cinquante-six ans il épousa Luz Dary Pedredín lors d’une cérémonie organisée en Colombie. Le couple a deux enfants, Danilú et David Albizu. Dernier mariage Santos était avec Ana Rivera, qui était à l’origine de Porto Rico.[3]

Daniel Santos est mort le 27 novembre 1992, 76 ans, dans son ranch, « Du Anacobero Ranch » à Ocala, en Floride. Il est enterré à ce qui est pratiquement Panthéon national de Porto Rico, le St. Mary Magdalene du cimetière de Pazzi en vieux San Juan, géographiquement très proche où furent inhumés Albizu Campos et Pedro Flores. En raison de la rareté de l’espace vide dans le cimetière, lorsque ses collègues chanteur portoricain et ami d’enfance Santos Eladio Peguero (communément appelé « yayo El Indio ») est décédé plus tard, il est enterré dans la tombe de Santos.

[Modifier] Héritage

La vie des Santos a fait l’objet d’un semi -autobiographie, El Inquieto Anacobero : confesiones de Daniel Santos a Héctor Mújica, écrit comme Santos a raconté son histoire à vénézuélien auteur Héctor Mújica en 1982.[[8] Sa vie a également fait l’objet de trois ouvrages biographiques : Vengo un adiós decirle a los muchachos (1989), Josean Ramos ;[[] 9] La importancia de llamarse Daniel Santos (1988), par Luis Rafael sánchez[[] 10] et Anacobero El Inquieto, par Salvador Garmendia.[11]

——————————————–LANGUE ANGLAIS———————————
Daniel Santos (singer)
Daniel Santos (February 5, 1916 – November 27, 1992) was a singer and composer of boleros, and an overall performer of multiple Caribbean music genres, including guaracha, plena and rumba. Over the course of his career he adopted several names created by the public and became known as « El Jefe » and « El Inquieto Anacobero ».
Early years

Santos was born and raised with his three sisters, Sara, Rosa Lydia and Luz America[1] in Trastalleres, a poor section of Santurce, Puerto Rico. He attended Las Palmitas Elementary School. Although he was doing well in school his father Rosendo took him out of school when he was in the fourth grade and forced him to shine shoes because of his family’s poverty.[2]

In 1924, his family moved to New York City looking for a better way of life. When his parents, Rosendo and Maria enrolled him in school, he had to start from the first grade again because he did not know enough English. Santos joined his high school’s choir, but he dropped out of high school in his second year and moved out of his parents’ apartment. When he was fifteen years old he began looking for work in Manhattan.[3]

Santos moved into a small apartment, where, one day, he started to sing « Te Quiero, Dijiste » (You said ‘I Love You’). A member of the Trio Lirico was passing by and heard him sing, he then knocked on Santos’ door. The trio member invited Daniel to join the trio and he accepted. Santos debuted with them on September 13, 1930, he sang in various social events and was paid a dollar for every song that he sang.[2] He returned to Puerto Rico only to return once more to Manhattan after he unsuccessfully tried to acquire a job as a singer at WKAQ, which was one of the island’s main radio stations.[3]

Musical career

« Cuarteto Flores » with Pedro Flores

In late 1933 and 1934, Santos performed in a nightclub named Los Chilenos located near Broadway and was paid twenty dollars per weekend.[3] Personally, Santos led a life of excesses, including maintaining several romantic relationships at once. In 1938, Santos was working at the Cuban Casino Cabaret in Manhattan, which was normally visited by Puerto Ricans and other Latinos. His chores included singing, waiting on tables and on occasions he was the master of ceremonies for which he was paid a salary of thirty dollars. On one occasion, he was singing « Amor Perdido » (Lost Love), without knowing that the composer of the song Pedro Flores was in the audience. Flores liked what he heard and invited Santos to join his group « El Cuarteto Flores » which also included Myrta Silva, and would in the future also include Pedro Ortiz Davila (also known by his stage name « Davilita »).[2] Santos recorded many songs with the Cuarteto Flores and started to gain fame. Among the songs he recorded were: « Perdon »; « Amor »; « El Ultimo Adios » « Si Yo Fuera Millonario » by singer/composer Miguel Poventud and Borracho no Vale’.[2][4]

Participation in World War II

External audio

You may listen to Santos sing « Linda » here

In the early 1940s, many young Puerto Rican men were drafted for World War II, among them Santos. Santos recorded « Despedida » (My Good-bye), a farewell song written by Flores from the viewpoint of an Army recruit who had to leave behind his girlfriend and his ailing mother, which became a hit.[2] Santos recalled in an interview once that he had to hold back tears while recording the song, since his draft papers had just arrived and he would soon have to live a situation similar to what the song’s lyrics described, but that a friend started mocking him at the control booth, to which he decided to curse him on the spot, trading the word mama’o (an expletive in Puerto Rican Spanish) for mamá (mother). This incident produced two mannerisms that Santos eventually adopted in his singing style: chopped delivery (almost syllable by syllable, as suggested by Flores) and stretched last vowel in the last verse of each stanza, in almost every song he recorded afterwards.[2]

He was sent to Maui Island, after completing his basic military training in Kentucky. In Maui, he was assigned to the medical personnel. While in the military Santos teamed up with Juanito Jiménez as a part of a duo dubbed Los Cumbancheros.[3] After the war concluded Santos returned to New York, where he received a tribute upon his arrival. There he recorded « Linda », written specially for him by Flores for one of Santos’ old girlfriends.[5]

International performances

Santos became active in the Puerto Rican Independence Movement and identified himself with the Puerto Rican Nationalist Party and its president Pedro Albizu Campos after he was discharged from the military because of the prejudice which he experienced within the Army.[3] His devotion for Albizu lasted throughout his life, to the point of commissioning, later in his life, a full-sized statue of Albizu for his Florida estate. With Davilita, he recorded « Patriotas » (« Patriots ») and « La Lucha por la Independencia de Puerto Rico » (« The Fight for Puerto Rico’s Independence »), which was adopted from one of Juan Antonio Corretjer’s poems.[6][7]

On March 1946, Santos inaugurated a bar and restaurant named Borinquen, and administrated the establishment for some weeks. Two months later he began singing Mexican music and boleros at Greenwich Village.[3] Later that year he visited the Dominican Republic, where he had legal problems and was jailed briefly.[3]

Santos in Cuba

By this time Santos’ fame had grown and he decided to travel to Cuba, establishing a residence in Havana. At the moment Cuba was experiencing economical growth and Santos developed an interest in the island. Upon arriving he experienced success, making presentations in Paseo del Prado, Miramar and Vedado.[3] These included a special presentation titled Alegrias de Hatuey, which was broadcasted by « Radio Progreso », a radio station. He participated and sang for several other stations, including RHC Cadena Azul and C.M.Q., where he participated in a program named Cascabel.[3] This exposition came after he established friendships with local public figures.[3] The Cuban public created two names adopted by Santos, these were Inquieto and Anacobero, which he later fused and became known as El Inquieto Anacobero.[3] He also made five presentations in theaters, among them the Martí theater.[3]

On 1948, Santos was invited to perform in the Cuban National Palace by the president in office, Carlos Prío Socarrás. This year also marked Santo’s debut with the Sonora Matancera, where he served as vocalist. His first successful single was titled Bigote de Gato, based on an area of Havana named « Luyano », which was infamous for serving as the home for fortune tellers. Later that year Santos was arrested after becoming involved in a fight where he accidentally injured a woman after trying to defend himself.[3] Santos was subsequently pardoned by Prío Socarrás, but he asked to remain in jail twelve additional days to spend the Christmas celebration with some of the inmates.[3] While in prison he composed a single named El Preso and was asked to write Amnistía as part of a campaign to promote the well-being of inmates. This was followed by several successful productions with the Sonora Matancera.[3] These included Dos gardenias and Pa’ fricasé los pollos, which were based on Cuban music. Among several other contemporary records were: El juego de la vida, El 5 y 6, El Ajiaco, El niño majadero, Ramoncito campeón and El tíbiri tábara.[2]

While in Cuba he composed the song « Sierra Maestra », which Fidel Castro adopted as the official hymn of the 26th of July Movement, which was always transmitted through « Radio Rebelde » (Rebel Radio) every morning. On March 10, 1952, Fulgencio Batista organized a successful coup d’état and took control of the island’s government. Following this event Santos temporally abandoned Cuba as a safety measure to prevent any assassination attempts, and relocated to Tampa, Florida.[3]

Return to Puerto Rico

He returned to the island later that year and began an international tour on 1953, among the countries visited were Venezuela, Colombia and Mexico.[3] In 1954, he returned to Puerto Rico and performed in hotels located in San Juan before continuing his tour throughout America which extended from 1955 to 1956. The tour concluded with a presentation in New York and he his returned to Cuba.[3] Later that year he visited Ecuador for the first time in his artistic career. Here he was contracted to perform in a theater named « Apolo », where he worked with a band named the « Costa Rica Swing Boys ». During his third presentation Santos lost his voice without completing the scheduled show, he tried to explain the situation to the public but was unable to calm them down and a riot erupted.[3] While in Ecuador he composed two successful singles, Cataplum pa’ and Cautiverio.[3] Late in 1956, Santos recorded with a Venezuelan record label named « Discomoda ». In 1959, he briefly returned to Cuba and worked in Puerto Rico and New York before establishing a restaurant in Havana. In 1962, Santos abandoned the island after his restaurant was nationalized by the government, this was combined with other disagreements with Castro’s administration.[3] On July 22, 1972 he performed in the inauguration ceremony of El Balcon del Pueblo, a building owned by Radio Cristal, which was located at Guayaquil.[3] In this activity he performed for two consecutive hours, working an additional hour due to public acclaim.[3]

Later years

During the last years of his life, Santos toured the United States and Latin-America, while experiencing health problems. He continued performing with several music groups. While he performed with the Sonora Matancera, Santos suffered a heart attack while he was sleeping in a hotel located in La Reforma after eating dinner.[3] Santos continued performing during the following decades, making presentations in several Latin American countries. He continued to sing the songs which he had written during his career until he finally retired and established a residence in Florida.

In 1991, Santos visited some friends in New York City’s Barrio Latino, during this visit Santo’s was walking through the street on a Saturday evening when he fainted and collapsed. He was attended by some bystanders and residents of the neighborhood who called the New York City Police Department.[3] When the police arrived at the scene they transported him to a local hospital, Santos was released two days after. During this time Santos was also suffering from mental illnesses, including memory loss due to Alzheimer’s disease.[3] Despite his health he made final presentations in some of Puerto Rico’s municipalities where he received recognitions in San Juan and Ponce.[3] Santos was also invited to participate in a music festival in Cuba, where he was supposed to receive a homage, but he was unable to attend.[3]

Over the course of his life Daniel Santos was legally married on twelve separate occasions.[3] His first marriage took place in 1934, where he married Lucy Montilla when he was eighteen years old. After this he was involved in several relationships with women of several Latin American countries, on occasions having more than one consecutively.[3] When he was fifty-six years old he married Luz Dary Pedredín in a ceremony organized on Colombia. The couple had two children, Danilú and David Albizu. Santos’ last marriage was with Ana Rivera, who was originally of Puerto Rico.[3]

Daniel Santos died on November 27, 1992, aged 76, at his ranch, « Anacobero’s Ranch » in Ocala, Florida. He is buried at what is virtually Puerto Rico’s national pantheon, the St. Mary Magdalene of Pazzis cemetery in Old San Juan, geographically quite close to where Albizu Campos and Pedro Flores were interred. Due to the scarcity of empty space in the cemetery, when fellow Puerto Rican singer and Santos boyhood friend Eladio Peguero (commonly known as « Yayo El Indio ») later died, he was also buried in Santos’ tomb.

Legacy

Santos’ life was the subject of one semi-autobiography, El Inquieto Anacobero: confesiones de Daniel Santos a Héctor Mújica, written as Santos told his story to Venezuelan author Héctor Mújica in 1982.[8] His life was also the subject of three biographical books: Vengo a decirle adiós a los muchachos (1989), by Josean Ramos;[9] La importancia de llamarse Daniel Santos (1988), by Luis Rafael Sánchez[10] and El Inquieto Anacobero, by Salvador Garmendia.[11]

See also

POUR EN SAVOIR PLUS CLIQUE ICI

http://en.wikipedia.org/wiki/Daniel_Santos_(singer)
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10 janvier, 2011

Joe Cuba SEXTET-MERCI

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Joe Cuba SEXTET-MERCI

Joe « Sonny » Cuba (22 avril 1931 – 15 février 2009) était un musicien portoricain qui était considéré comme le « père du Latin Boogaloo »
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Premières années

Né « Gilberto Miguel Calderón » chez les parents de Cuba, ville de New York s’installe de Porto Rico à New York dans les années 1920 et s’installe à Spanish Harlem, une communauté Latino située à Manhattan. Cuba a été soulevée dans un immeuble d’habitation où son père était devenu le propriétaire d’un magasin de bonbons situé sur le rez-de-chaussée #street niveau plancher #. Son père avait organisé un club stickball appelé les Devils Young. Stickball a été l’activité principale de sport du quartier. Après que Cuba a brisé une jambe, il prend jouant la conga et a continué à pratiquer avec la conga entre l’école et son temps libre. Finalement, il est diplômé de l’école secondaire et rejoint un groupe.[1]

[modifier] Carrière musicale
En 1950, alors qu’il était âgé de 19 ans, il a joué pour j. Panama et également pour un groupe appelé La Alfarona X. Le groupe bientôt dissoute et Cuba inscrits au Collège pour étudier le droit. Alors qu’au Collège, il a assisté à un concert où Tito Puente effectuées « Abaniquito ». Il est passé à Tito et présente lui-même comme un étudiant et un ventilateur et bientôt, ils ont développé ce qui allait devenir une amitié de durée de vie. Cet événement motivé à Cuba pour organiser son propre groupe. En 1954, son agent a recommandé qu’il changer le nom du groupe de la Jose Calderon sextuor à la Joe Cuba Sextet et le nouvellement nommé Joe Cuba Sextet a fait ses débuts à la salle de bal de Stardust.[1]

En 1962, Cuba « Pour être avec vous » enregistré avec le chant du Cheo Feliciano et Jimmy Sabater Sr. Le groupe est devenu populaire dans la communauté latine de New York. Les paroles de la musique de Cuba utilisé un mélange d’espagnol et anglais, devenant une partie importante du mouvement Nuyorican.[2]

En 1965, le sextuor a obtenu leur premier crossover frapper avec la latine et soul de la fusion de « El Pito # je vais jamais revenir à la Géorgie # ». Le « jamais aller retour de Géorgie » chant a été prise de l’intro de Dizzy Gillespie à l’Afro-Cuban séminal tune, « Manteca ». Sabater révélé plus tard que « aucun de nous n’avait jamais été de Géorgie.[3]

Avec ses collègues Nuyorican artistes tels que Ray Barretto et Richie Ray, Cuba a été à l’avant-garde du développement son Latin soul à New York, fusion de styles de R ‘ ne b avec une instrumentation afro-cubains. Cuba était l’un des principaux architectes derrière le Latin Boogaloo émergents sonore, qui est devenu un style Latin populaire et influent dans la seconde moitié des années 1960. En 1966, son groupe qui comprenait des timbales, congas, parfois bongos, basse, vibraphone et le piano parmi ses instruments de musique, a marqué un « hit » dans la liste nationale de Hit Parade des États-Unis avec la chanson « Bang Bang » – qui a contribué à la popularité de la boogaloo le coup. Il avait aussi un # 1 a frappé, cette année dans les panneaux d’affichage avec la chanson « Sock il À Me Baby ». Charlie Palmieri, qui fut son directeur musical, mort en 1988 d’une crise cardiaque à son arrivée à New York, de Porto Rico.[4]

Années plus tard et la mort

Avril 1999, Joe Cuba a été intronisé au International Latin Music Hall of Fame. En 2004, il est nommé Grand Marshall de la Puerto Rican Day Parade, célébrée à Yonkers, New York. Il fut également directeur du Musée de La Salsa, situé à Spanish Harlem, Manhattan, New York.

Joe Cuba est décédé le 15 février 2009 à New York, après avoir supprimé de soutien de la vie. Il avait été hospitalisé pour une infection bactérienne persistante. Les restes de Cuba ont été incinérés au cimetière Woodhaven.[5] Il a survécu par ses 2 enfants adultes de sa première épouse (Nina, épousée en 1960 #, fils Mitchell et fille Lisa, 3 petits-enfants Nicole, Alexis et Rebecca ; et sa seconde épouse Maria #Married en 1994).

Discography

Among the songs recorded by Joe Cuba and his sextet are the following:[6]

  • 1. Bang Bang
  • 2. Cocinando
  • 3. Ay Milagro
  • 4. El Raton
  • 5. Joe Cubas Latin Hustle
  • 6. My Man Speedy
  • 7. Quinto Sabroso
  • 8. El Pito (I’ll Never Go Back To Georgia)
  • 9. Trip To Mamboland
  • 10. Sock It To Me »"
  • 11. Y Tu Abuela Donde Esta
  • 12. Oriza Oco
  • 13. Psychedelic Baby
  • 14. Pataquibiriquambambaram
  • 15. Quires Volver
  • 16. Yo Y Borinquen
  • 17. Mi Salsa Buena
  • 18. Bailadores
  • 19. Joe Cubas Madness Pts 1 And 2
  • 20. Oye Bien
  • 21. Mujer Divina
  • 22. La Tortilla
  • 23. Talk About Love
  • 24. Alafia
  • 25. Ritmo De Joe Cuba
  • 26. Hey Joe Hey Joe
  • 27. Elube Chango
  • 28. Wakini
  • 29. No Coman Cuento
  • 30. To Be With You
  • 31. Mi Lindo Son
  • 32. Oh Yeah
  • 33. Flacos Cha Cha
  • 34. La Malanga Brava
  • 35. Contigo Aprendi
  • 36. Ya Se Acabo

Discography (Albums)

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